Quien iba a pensar que bailar como parte de un “flash mob” era ilegal?. Aparentemente la ciudad de Miami cuenta con leyes muy estrictas al respecto y estos chicos, llamados The Mob, viven peligrosamente bailando de noche y sirviendo mesas de día.
O tal vez no es ilegal, solo un artificio del libreto para darle un toque de audacia a un musical.
Sean (Ryan Guzmán), es el líder del grupo de baile The Mob, un grupo de muchachos humildes que se las ingenian para montar espectáculos dignos del Cirque du Soleil por las calles de Miami. Emily (Kathryn McCormick) es la hija de un acaudalado empresario recién llegada a la ciudad para probar sus fortunas como bailarina en una de las compañías de baile más prestigiadas. Si piensan que Sean y Emily van a terminar juntos en este romance musical, puede ser que se lleven una sorpresa…es broma, claro que acaban juntos.
El grueso de la trama se presenta cuando el papi de Emily quiere construir un nuevo y lujoso hotel en la colonia de los chavos, desplazando así a los residentes. Emily tendrá que escoger entré serle fiel a su padre ó a su nuevo amor; Sean entre Emily ó The Mob; y el resto de los chicos entre Vans ó Converse. Dejando de un lado el cinismo y el guión ultra cursi, Step Up Revolution es el clásico dilema de luchar por los sueños de juventud y de las decisiones importantes que marcan la pauta del futuro.
Siguiendo con una rachita de Lynch, me topo con su segunda obra más indescifrable (La primera siendo Inland Empire, con sus tres horas de puro surrealismo). Al terminar Lost Highway (Camino Desconocido) no había entendido ni madres, como bien lo había previsto; pero no me estresé, pues al ya estar familiarizado más con la “oeuvre” de Lynch empecé a repasar mentalmente algunos temás que son omnipresentes en sus largometrajes, y sospecho que algunas de las temáticas de esta película y, como decirlo, algunos trucos del libreto fueron pulidos y perfeccionados en Mulholland Dr. De ahí que esta vez no me quedé impresionado como cuando vi Mulholland por primera vez; esto se me hizo una copia inferior, tal vez hubiera sido al revés si hubiera visto primero Lost Highway.
Este proyecto, de finales de los 90′s, le siguió a la incomprendida Twin Peaks: Fire Walk With Me, lo cual demuestra que Lynch tiene huevos al presentar su película más difícil después de su mayor fracaso (empate con Dune). Y luego, cuando ESTA fué mal recibida, porque las críticas fueron desfavorables para Lost Highway; hacer la siguiente con las mismas ideas, aunque mejoradas, en Mulholland Drive. Y voilá, termina realizando su máxima obra de arte.
Una televisora francesa, nuevamente, volvió a sacar la lana para esta película de Lynch, en parte porque los estudios de Hollywood son unos sacatones, y a diferencia de Twin Peaks o Mulholland Dr., Lost Highway no fué un intento abortado de serie para TV, fué concebida desde el principio como un largometraje. Lynch escribió el libreto con Barry Gifford, autor del libro Night People, donde el director encontró la frase que le da título a la película. Y rescató de su memoria una anécdota perturbadora, cuando en la vida real alguien le tocó su interfón para crípticamente informarle que un desconocido estaba muerto. El recado de “Dick Laurent is dead”, susurrado por un desconocido a través del interfón, arranca la historia que durante el primer tercio es consistente, intrigante y perturbadora; gracias a escenas típicas de Lynch como esta…
El actor Bill Pullman interpreta a Fred Madison, un saxofonista en L.A. que vive con su esposa Renee (Patricia Arquette). La vida de la pareja es estéril y monótona, el diseño de la casa tampoco ayuda a crear un ambiente acojedor, es demasiado modernista y frío, con pasillos que encierran una obscuridad permanente. Los telones rojos, sello del director, no podían faltar. Pronto empiezan a recibir misteriosos videos en un sobre sin remitente, cada video es más perturbador que el anterior. Al principio es una toma, con mucha estática y en escala de grises, del exterior de la casa. Luego es la misma toma pero ahora con imágenes de su sala y recámara, o sea filmado desde el interior. Y luego…es cuando el asunto se pone muy raro.
- – - OJO, SPOILER ALERT! – - – Leer solo si la haz visto
Para aquellos que ya pudieron verla, es probable que no les quedó claro que fué lo acontecido…tal vez una idea. Lo cierto es que las temáticas típicas de Lynch como la demencia y las realidades alternas, o sea la realidad de acuerdo como lo recuerda un personaje, se hacen presentes. La canción al principio de la película, “I’m Deranged” de David Bowie es una pista (soundtrack noventero buenísimo por cierto, trabajo de Trent Reznor). La escena más significativa es cuando los detectives se encuentran en la casa entrevistando a Fred y a Renee y les preguntan si tienen cámara de video. Renee dice que no, que Fred las odia. Fred explica: “me gusta recordar las cosas a mi manera, no necesariamente como sucedieron en realidad”. Con esa otra pista Lynch da a entender que lo que transcurra, o inclusó que ya transcurrió, puede ser una realidad distorsionada, pues son los recuerdos de Fred. A eso se le añade que aparte padece de demencia y es por eso que el producto final es un amalgamiento de fantasias y recuerdos borrosos.
Fred mata a su esposa, gracias a sus celos incontrolables. El hombre misterioso de negro, con cara pintada de blanco (James Blake), representa a estos celos y aparece cuando se le invoca; después de todo “no asiste a donde no es invitado”. Es como su diablito que le aconseja a hacer cosas malas, pero siempre permanece en la cabeza de Fred. Poco después de ser condenado a muerte y encerrado, Fred empeora en su condición de demencia y fantasea se convierte de plano otra persona, el muchacho Pete Dayton (Balthazar Getty, miembro de la dinastía Getty y doble perfecto de Charlie Sheen, apoco no?). En su fantasía Fred es ahora un muchacho inocente, bueno para las mujeres y con un empleo simple, sin rollos. Lynch había dicho que el caso O.J. Simpson, tan sonado en los 90′s, fué en parte inspiración a esta trama; un asesino tan, pero tan dementemente convencido de su inocencia, que por obra de los santos sale libre.
Todo va bien hasta que en su propia fantasía Fred vuelve a invocar la imagen de su esposa, ahora con el nombre de Alice (nuevamente Arquette), convertida en una felina seductriz que se liga al muchacho y todo vuelve a valer madre. El mafioso Mr. Eddy, realmente el tan mentado Dick Laurent, es como Fred se imaginaba que tal vez era Dick, con quien Renee estaba teniendo sus encuentros. Su subconciente temía que fuera esto, un mafioso rico y poderoso que se madrea a tipos a la menor provocación. Igual el amigo de Renee en la realidad, un tipo resbaladizo llamado Andy que organizaba buenas fiestas; en su fantasía es un productor de porno depravado. El muchacho Pete, en la fantasía de Fred, asesina violentamente a Andy y se ve amenazado por Mr. Eddy. El hombre misterioso de negro, el lado más obscuro de Fred, hace un cameo en su fantasía para recordarle que está sentenciado a morir y no hay para donde hacerse. Poco después Pete vuelve a transformarse en Fred, o sea regresa a su cruel realidad, no sin antes hacer el amor en el desierto con Alice a la luz de los faros de su Mustang. La típica escena Lynch del anhelo imposible, de algo que nunca volverá a suceder; es Fred haciendo el amor con su esposa muerta Renee. Él le dice que la quiere tener, ella le dice que nunca la tendrá. Todo cristalizado frente a los reflectores del carro.
Lo que sigue son los recuerdos de Fred cuando asesina al amante de su esposa , Dick Laurent, acompañado de su fiel “lado obscuro”. Aparte de ser su amante, Fred sospechaba que la había reclutado en películas porno; quien sabe si eso sea cierto o no, pero Fred “recuerda las cosas a su manera”. Después de asesinar al amante y a la esposa, y después de dejarse el mismo el críptico mensaje en su interfón, Fred se dá a la fuga. Y creo que es en medio de este recordar demente que lo asan en la silla eléctrica, de ahí la escena final.
Es una lástima que muy probablemente Inland Empire haya sido el último largo de Lynch. Ya le anda pegando a los setenta y dice que un largo no está dentro de sus intereses. Cuando ya no estén, seguirán habiendo películas con el “sello Spielberg” o incluso el “sello Scorsese”, que es de mis directores favoritos. Pero ya no ha habido en varios años una cinta con el “sello Kubrick”, y en otros más no habrá con el “sello Tarantino” y el “sello Lynch”, directores imposible de imitar.
Después de chutarme la serie de televisión, solo 30 episodios de 45 minutos cada uno, que sin embargo me tomó un año tres meses, había quedado tan perplejo con el final, que ver el largometraje Twin Peaks: Fire Walk With Me era necesario y bienvenido. Lo anticipaba como un trabajo ligero y hasta cierto punto trivial, en parte por las terribles críticas que leí, incluyendo una de Tarantino cuando originalmente vió la muestra en Cannes en 1992: “David Lynch se ha perdido tan profundamente en su propio trasero que no quiero volver a ver alguna película suya…y eso que lo amaba, lo AMABA”. Considerando esta cita de uno de mis artistas cinematográficos preferidos, y que también me encanta el trabajo de Lynch, no tenía muchas expectativas para la cinta. Puedo decirlo con la conciencia bien tranquila que esta vez, o aquella vez, la crítica no sabía de que coños estaba hablando y sospecho que muchos de esos intelectualoides ni se molestaron en aventarse la serie antes de ver la movie.
Considerada una precuela/secuela (que tal, eh?), Twin Peaks: Fire Walk With Me no fué la liviana coda a la serie que me esperaba, de hecho ha sido de las películas más perturbadoras que he visto, y eso que he visto cosas como esto, y tengo a Begotten ahí esperándome. Creo que es porque no te lo esperas. La actriz novata (en ese entonces) Sheryl Lee por fin encarna a la víctima de la serie, Laura Palmer, quien aparece muerta desde la primera escena del primer episodio; bueno, esta inexperta, a quién Lynch solo contrato para hacerla de muerta y para uno que otro flashback, presenta una de las actuaciones más versátiles y desgarradoras que yo pueda recordar. En los últimos siete días de la vida de Laura Palmer, la actriz proyecta de infinita desolación, a peligrosa perversidad, a simplemente demencia desbocada…lo que los gringos llamarían “batshit”.
La película, que originalmente iba a formar parte de una trilogía, pero que se desistió de esta idea ante la pésima recepción que tuvo, trata de esclarecer algunos detalles del final de la serie, que a la buena manera de Lynch no resuelve muchas de las dudas, y al contrario hasta presenta nuevos misterios…perfectamente ejemplificado en una de las escenas finales con un changuito susurrando “Judy” en la oscuridad, estoy seguro que nadie aparte de Lynch sabe que demonios significó eso, ni siquiera aparece un personaje llamado Judy en toda la serie!. Pero basicamente la cinta finalmente le da vida a Laura Palmer y sus problemas y vicios que la llevan a ser brutalmente asesinada al principio de la serie.
Twin Peaks: Fire Walk With Me o Los Últimos Días de Laura Palmer es una grotesca extravancia por parte de un gran director, tiene momentos brillantes precisamente porque es una obra de David Lynch; pero si se siente que este trabajo es de un director que en ese momento se sentía potente y que no había manera de equivocarse en sus intenciones. Su película anterior, Wild At Heart había ganado la Palma de Oro en Cannes de 1990, y una antes de esa: Blue Velvet, aunque fué olvidada por los premios, fué bien acogida por los críticos. El inicio de la película ciertamente augura dos horas y media de pura basura, para aquellos que esperabamos una reunión del elenco de la serie de Twin Peaks original nos aguardaba una decepción inicial al no presentar a una sola cara reconocible; el agente del FBI Dale Cooper (Kyle McLachlan) había sido suplido por otro agente interpretado por un mediocre y acartonado actor Chris Issak, si este guey…
SPOILER ALERT…SI NO LA HAZ VISTO ES MEJOR QUE NO SIGAS LEYENDO AUNQUE ES IMPRECINDIBLE DE QUE LAURA PALMER SEA ASESINADA, PUES ES LA PREMISA DE TODA LA SERIE DE TV…Y FUERA DE ESO,ES DIFICIL ENTENDER QUE FUÉ LO QUE PASÓ
…acompañado por un investigador experto en patología, Kiefer Sutherland. El pueblito del principio es como el hermano incómodo de Twin Peaks, más feo, polvoso y carente de los personajes carismáticos que el primero albergaba. Los agentes del FBI Chester Desmond (Isaak) y Sam Stanley (Sutherland) investigan la muerte que antecede a la de Laura Palmer perpetrada por el mismo asesino, hecho que es mencionado en la serie. Las pistas los conduce hasta el trailer park más desolado del mundo, donde el agente Desmond desaparece después de tratar de levantar un anillo. Este objeto concluyo que fué un mero “macguffin”.
El familiar agente Cooper (MacLachlan) es asignado por el jefe de la división Gordon Cole (Lynch haciendo su cameo) para que investigue la desaparición de su colega. En un paréntesis se aparece otro agente en las oficinas, nada menos que el personaje de David Bowie, y literalmente se aparece de la nada después de encontrarse también desaparecido por un tiempo, dice unas sandeces y se vuelve a desaparecer. El caso de Desmond permanece inconcluso, al igual que el asesinato de la víctima cero Teresa Banks, dejando a Cooper y el FBI preguntándose dónde y cuándo atacaría este metódico asesino de nuevo. Un año después acontecen los hechos de la serie; pero una semana antes de eso acontece el resto de esta película.
Laura Palmer y el agente Cooper en el “Lodge”
Ya ubicados nuevamente en Twin Peaks, vemos al personaje de Laura Palmer resucitar de la serie y desarrollar sus vicios y talentos. A pesar de ser una chica muy popular, de noche vive una vida muy, pero muy hedonista y auto-destructiva; se mete coca y es prostituta, sacia sus vicios del otro lado de la frontera, en Canadá. Resulta que desde niña Laura es violada cada noche por un demonio conocido como BOB, lo que empuja a Laura hacia el precipicio es cuando un día se encuentra en pleno día cargando de proviciones el carro junto con su compañera de la cafetería Shelly (Madchen Amick) cuando del otro lado de la calle le llama una viejita, quien le introduce a un niño con una máscara rara, que le dice con calma: “el hombre detrás de la máscara está en tu cuarto”. Laura corre a su casa, a su cuarto, y eventualmente se da cuenta de que el demonio es realmente su propio padre…poseído por BOB.
Un tema recurrente en la serie y película es un lugar misterioso llamado the Lodge o the Black Lodge, donde habitan gente del presente y gente ya fallecida, ahí es donde habitaba Laura durante la serie, de hecho. Se da a entender que el lugar es el purgatorio y es posible quedarse ahí atrapado, aquí es donde me imagino que fueron a parar los agentes desaparecidos, incluido el agente Cooper al final de la serie; sin embargo, es muy desconcertante que el agente Cooper ya está ahí para recibir a Laura después de su asesinato y para darle la bienvenida a su ángel que la llevará al paraiso, que aunque suena ridiculísima la escena, es realmente bella y es lo última de lo que vemos y sabemos de la saga. Creo que esta última escena transcurre después de los hechos vistos en esta película…y en la serie también!, Laura sigue antecediendo a Cooper en el Black Lodge. Por cierto, BOB, el hombre sin brazo, y un enano que la hace de…el brazo de este hombre, habitan este purgatorio; donde al parecer BOB se escapa de vez en cuando a hacer de las suyas.
Bueno, ya casi es 2016 y como le dijo Laura Palmer al agente Cooper en 1990: “Te veo en 25 años”. Está por verse si Lynch le da seguimiento a la historia, pero creo que ha dicho en más de una ocasión que este arroz está más que cocido. En fin, no entendí nada…Homero tampoco:
Steven Soderbergh y su guionista Scott Burns se preguntaron que pasaría, así realmente, si una pandemia global se saliera de control y se convirtiera en el catalista de un escenario post-apocalíptico, de esos que se ven, normalmente en….las películas. Y digo “realmente” porque otras pelis pasadas como creo que Outbreak con Dustin Hoffman hicieron un trabajo mediocre en plantear el escenario, y se rendían ante el espectáculo al presentar a un virus como el Ébola, donde te desangrabas hasta por el culo (literalmente) como el agente del mal. Soderbergh y Burns se inspiraron en las epidemias de los patógenenos del SARS (2003) y de la influenza H1N1 (2009), unos virus menos espectaculares, pero letales y que pusieron a prueba las contingencias de la WHO (Organización Mundial de la Salud).
Soderbergh arma un reparto de aquellos que llaman “ensemble cast” con Matt Damon, Gwyneth Paltrow, Marion Cotillard, Laurence Fishburn, Kate Winslet, Jude Law y el papá de Malcolm. De esta manera no tenemos a una sola estrellita corriendo dramáticamente por toda la película, como en aquel caso de Hoffman, ningún actor acapara la trama, de hecho el personaje de Gwyneth Paltrow, la llamada Paciente Uno, para mi gran sorpresa se muere a cinco minutos de haber empezado la cinta, y no, no es un spoiler.
Veganos, gays, hipsters y lesbianas feministas abandonan San Francisco
Contagion se desarrolla en Minneapolis, San Francisco, Hong Kong, Atlanta, Londres y Chicago. Fluctúa entre el presente, el futuro próximo y el pasado cercano. Todo esto junto con el “ensemble cast” es lo que le da sus características al llamado cine Hyperlink (cine tipo hipervínculo?) donde el problema principal une a esta red de lugares y personajes en una sola historia y al igual que aquellas teorías kármicas existenciales, una pequeña ruptura en el tejido de esta red puede propiciar ondulaciones que tienen consecuencias devastadoras en otros lugares de la misma. Igual la trama se adelanta en el tiempo, luego regresa a una semana antes, etc.; como si estuvieras navegando por la trama dando clicks aquí y allá. Estoy convencido de que Crash sería otro ejemplo de este género de cine, aunque nunca he leído que se le atribuya esta característica.
Lo único que me cayó gordo de Contagio es el personaje narcisista de Jude Law, un blogger inglés llamado Alan Krumwiede, para empezar si ha de molestar el extranjero que anda metiendo las narices por todos lados y criticando a las autoridades. Krumwiede representa en la trama a las redes sociales, los conspiracionistas deschavetados y todos esos agentes del internet que nada más causan ruido y desconfianza, y panickean a la raza. Para colmo resulta que las intenciones de Krumwiede no son tan nobles como el las pinta.
Justo cuando pensaba que ya había visto el episodio más triste de esta obra de Krzysztof Kieslowski, llega esta séptima parte sobre una joven muchacha en Varsovia que aun vive con sus padres, tuvo una hija a los 16 años, sin embargo, para evitar el escándalo y el “que dirán”, la madre de la muchacha, o sea la abuela, se apropia de la niña y todo mundo cree que la verdadera madre, Majka, es solo su hermana mayor. Podemos reconocer inmediatamente que esta situación está mal y necesita remediarse.
Pero como?. Pues que tal con la muchacha (Maja Barelkowska) robándose a su niña y fugándose a Canadá, por supuesto!. Nuevamente Kieslowski presenta una situación real, de las que nos encontramos en nuestras vidas con frecuencia, para poner a prueba lo rígido de un mandamiento, en este caso “No Robarás”. No quiere decir que claramente lo correcto es pelarse clandestinamente con una menor a otro continente, pero si deja la puerta abierta a la polémica y a la discusión. La rigidez religiosa no es buena, toda situación puede estar sujeta a discernirse y a juzgarse. Creo que ese el mensaje principal del director con este compendio. Ya solo me faltan tres!.
P.S. En este episodio no aparece el misterioso personaje interpretado por Artur Barcis.
Un film épico sobre el presidente Americano normalmente reconocido como el mejor presidente que ese país ha tenido?, interpretado por Daniel Day-Lewis?, con vestuarios y sets de la época victoriana?. Spielberg sabía que las nominaciones iban a llegar solitas, así como la lana; todavía ni sale a la venta para el hogar y ya cuenta con unos ingresos de $200 millones de dólares. Es una co-producción de cinco productoras, incluidas las de Spielberg: Dreamworks y Amblin, la cinta cuenta con las apariciones de otras figuras, aparte de Day-Lewis: Sally Field como Mary Todd Lincoln, Joseph Gordon-Levitt como el hijo Bobby y Tommy Lee Jones y James Spader como otros políticos de la época.
Había escuchado a algunos amigos decir que la película estaba muy aburrida, que no duraban ni 20 minutos y la quitaban o se quedaban dormidos; y cierto, puedo entender porqué a muchas personas la trama y pauta de la película no se les hacen interesantes, esta obra se mete en serio en la política durante la guerra civil y el drama recae en las estrategias políticas del equipo de Lincoln para hacer que pase ante el congreso la Decimotercera Enmienda a la Constitución de los Estados Unidos, que pondría un fin definitivo a la esclavitud en los United. Es un drama político que adquiere una importancia trascendente por el impacto histórico de esta enmienda y la figura de Abraham Lincoln como un presidente que mantuvo unido al país durante la guerra civil y liberó a los esclavos, por algo le dicen El Gran Emancipador.
Daniel Day-Lewis y Spielberg
El hecho de que a esas alturas la esclavitud ya era ilegal en Europa y muchos países, como México que abolió la esclavitud en 1829 o en lugares como Japón donde realmente no hubo nunca esclavitud a ese nivel, parece que no importa; a los norteamericanos les gusta pensar que era un momento crítico en la historia mundial con Lincoln rompiendo las cadenas de la esclavitud para beneficio de todos los negros del mundo. Pero creo que lo que si queda claro es que la Guerra Civil norteamericana no fué por liberar a los esclavos, fué para prevenir que el sur se separara de la Unión, quienes se querían independizar, en primer lugar porque no querían abolir la esclavitud, que era el motor de su economía basada en la cocecha y venta del algodón. El norte no quiere pelear, pero lo hará por preservar la Unión. En un hecho de tremenda frescura el sur dice: “Nos rendimos y regresamos a la Unión…si la esclavitud sigue siendo legal en nuestros estados”. Ahí es donde Lincoln, y creo que cualquiera en su lugar, dijo: “a ver, así no fué como empezó todo esto”. El sur utilizó la propia guerra como su carta fuerte; porque sin capitales que invadir, el conflicto era puramente una “guerra de desgaste”, donde a ver quien se cansa primero, mientras cientos de miles de soldados morían en las batallas. Muchos políticos de la Unión, incluso Republicanos del partido de Lincoln, estaban dispuestos a olvidar el asunto de la abolición de la esclavitud si podían lograr que la guerra terminara inmediatamente. Lincoln tenía un poco más de temple, y sabia que tarde o temprano la economía del sur se desmoronaría, especialmente si la Unión había bloqueado sus puertos principales y amenazado a otros países, como el Reino Unido, con guerra si hacian comercio con el sur.
Pues así estaba el rollo más o menos. Spielberg humaniza a la figura central en medio de este torbellino y presenta a un Lincoln vulnerable, el Lincoln de DDL (Day-Lewis) es un hombre desgastado, hasta como que fisicamente despintado por el trajín de los años pasados; quien se hubiera imaginado que hablaba así tan suavemente?, esta tranquilidad y serenidad proyecta una confianza y sentido de liderazgo excepcional, no nada más andar ladrando como perro a sus subordinados. Liam Neeson iba ser en un principio A. Lincoln, ya había sido el humilde héroe de Spielberg en Schindler’s List; pero como el proyecto se demoró años, el actor irlandés sintió que ya estaba muy viejo para el personaje y le cedió el lugar a DDL; no creo que Neeson hubiera podido encarnar esa vulnerabilidad de Lincoln, tiene una presencia física más imponente. Como es tradición, DDL se mantuvo en personaje durante el rodaje de la película, siguiendo su técnica de actuación conocida como Método; incluso, otros actores y miembros del equipo de filmación le llamaban “Mr. President” aun y cuando las cámaras no estaban rodando.
Con todo y el peso histórico de los temas que maneja, Lincoln es un éxito automático de Spielberg, nada realmente cautiva, excepto la actuación de DDL. En unos años no se si la película será venerada y recordada porque no propone nada nuevo, al igual que Munich, es buena a secas.
Ayer vi Lincoln, pero a la chingada, esta “película” que acabo de ver es muchísimo mejor. El día de hoy me di una vuelta al Cine Tonalá para ver este docu-ficción, y unas horas (y cheves) después, esta cita sigue jugando con mi mente de una manera cada vez más insistente conforme más trato de desenredar la obra; sabemos que las mejores películas son las que lo dejan a uno pensando, bueno esta tiene un sabor que perdura y se intensifica mucho tiempo después de que se ha ingerido (vaya aftertaste!). Para mí fue algo novedoso…y desconcertante. Afortunadamente iba con un amigo director de cine que me explicó desde un punto teórico lo que estaba sucediendo…hablando en términos de planos, escaletas y otros conceptos teóricos. Claramente me encontraba fuera de mi elemento..igual y para los expertos esto es pan de cada día, pero para mi fué un pedazo de cine muy refrescante.
El director mexicano Nicolás Pereda es una figura cinematográfica muy reconocida en el extranjero, con premios en festivales europeos y una retrospectiva en un festival de Nueva York. Aquí en México es difícil encontar la película en cartelera, o leer artículos sobre el director en la prensa escrita.
Nicolás Pereda
El director para esta película vuelve a emplear a varios actores que pueden considerarse como parte de su círculo interior. Nombres como Gabino Rodríguez, Luisa Pardo y Teresa Sánchez. El actor que da vida al personaje del padre de la familia, José Rodríguez, es también el padre de Gabino en la vida real. A excepción de José, todos los demás actores han interactuado de alguna manera u otra en las películas del director, a veces en roles/relaciones similares, lo que incrementa el sentimiento de desconcierto.
Gabino vive con su madre (Teresa Sánchez) en la Ciudad de México, en el borde de la pobreza; batallan, pero hay dinero para cheves de vez en cuando. El joven, de unos veintitantos ya tirándole a treinta, ayuda a su familia vendiendo discos piratas en el metro, estos discos contienen los “mejores temas” del amor en español y el muestra una habilidad excepcional para recordar los más de cien temas, en orden; piensa que es un negocio que va “para arriba”. El personaje de Luisa Pardo fluctua entre novia y hermana, literalmente, lo que es una señal tempranera de que esta no es una trama normal. Un día se aparece en el hogar el padre, quien abandonó a la familia hace 15 años y andubo probando suerte en el norte del país. La familia convive cordialmente con él por unos días pero Gabino y su madre llegan a una decisión, en una escena clave, de que es tiempo de ponerlo de patitas en la calle.
OJO – - – SPOILERS!! – - – NO LEAS SI NO LA HAZ VISTO
Gabino y su madre empiezan a ensayar como le van a decir al papá que se largue; Gabino empieza interpretando de una manera despreocupada al padre y presenta las posibles excusas que le puede poner a las explicaciones de la madre. Los minutos pasan y el ensayo se vuelve más intenso, al final del mismo parece que Gabino ha encarnado al mismo padre, tanto así que la madre llora, los dos se abrazan en un momento cumbre para los dos y entra una pista musical. En una película donde la música escasea, creo que el director nos quiere indicar que este es un momento clave para poder entender su obra. En esencia, creo, que nos hace ver que los papeles y los roles son intercambiables pero lo que perdura son las emociones. Los personajes rebotan sus sentimientos unos con otros basados en experiencias reales y en lo que dicta el script. Esa es la segunda escena más importante de la película; en la más importante, minutos antes Gabino y el actor que interpreta a su padre, o sea su padre en la vida real, discuten la muerte de la madre años atras; desconcertante siendo que la madre claramente aun vive en la película. No es hasta que el director Pereda les hace una pregunta en off a los actores que uno cae en la cuenta que estamos viendo a los actores en la vida real, padre e hijo, no a los personajes. Pasa de ficción a pseudo-documental. Trippy no?.
Este es el tipo de material que a los críticos y aficionados al cine de arte les para los pezones. Pretencioso?, quizás, pero muy entretenido!. Ah, la cosa se pone mejor cuando después del abrazo entre hijo y madre, esa noche, se aparece enmedio de la penumbra del hogar un hombre cincuentón con gorra. Bueno, este tipo pasa a ser el padre de Gabino en la película; suplanta de una manera surrealista al actor pasado. A partir de entonces las cámaras nos dejan ver al equipo de filmación haciendo su trabajo y montando las escenas; lo que vemos de ahora en adelante creo que pretende ser el “detrás de cámaras” y la realidad. Sin embargo el verdadero padre de Gabino, el actor, ha abandonado el set y ha sido reemplazado, ahora si, por un actor. El tío del director, de hecho. La trama y la vida real se funden en un solo recuento de sentimientos de abandono y superación.
Pienso checar los otros trabajos de Pereda, junto con los de otro director que veo se asocia constantemente a este tipo de trabajo, Carlos Reygadas. Quiero ver que hay en el cine mexicano si uno le rasca un poco.
