Meet Me There

23 Oct

meet me ther

La primera película que pudimos apreciar en la muestra del festival de cine de horror, fantasía y sci-fi, el Feratum Film Fest resultó ser un platillo decepcionante de terror independiente: Meet Me There (2014), del director norteamericano Lex Lybrand y sus compatriotas escritores Brandon Stroud y Destiny Talley.

En  un encuentro con los recuerdos perturbadores de la infancia, la película abusa del simbolismo en sus escenas de manera que al final ya no sabes si estás viendo la realidad, una alucinación, un recuerdo o un artificio simbólico por parte de los creativos. No cabe duda que filmar un guion ambicioso con un bajo presupuesto es complicado y puede resultar en un producto final confuso.

El inicio es espectacular, de eso no cabe duda. Dos completos extraños hacen plática en el bar del aeropuerto, en el avión y al rentar el carro; los que aparentemente no se conocían, encuentran su destino final juntos en un campo del pueblito de Shoale, Oklahoma, donde se suicidan juntos en lo que pensamos es un bizarro pacto previamente acordado. Se pregunta uno si este proyecto nació a partir de una escena fuerte con mucho potencial y de ahí vino el insípido resto, ver otro probable caso con el nuevo Guillermo Del Toro Present’s: Mamá (corto disponible en Youtube)

Después de la fuerte escena inicial y los créditos, empieza la trama principal, basada en los recuerdos de Talley, en la que una pareja de novios, Ada (Lisa Friedrich) y Calvin (Michael Foulk) tienen problemas en la intimidad, principalmente que a ella no le gusta tener contacto con él. Gracias a sesiones con su psicóloga, Ada y Cal concluyen que sus miedos están arraigados en perturbadores recuerdos de la infancia de ella en el mencionado pueblo de Oklahoma. La pareja visita al casi inhabitado terruño en medio del estado norteamericano donde el pasado oscuro que se oculta en los pocos habitantes que permanecen en este lugar resulta ser demasiado peligroso para la pareja. De paso se comprueba que el midwest norteamericano es el infierno sobre la tierra.

Una trama demasiado ambiciosa para su presupuesto, la premisa es demasiado grande para lo que tiene que desarrollar después; cabe destacar las actuaciones de Friedrich y Foulk, a pesar de todo, aquel que tenga la oportunidad de ver Meet Me There, podrá constatar que la escena de “los Pitufos” es de los más disfrutable del filme, una interacción entre ambos actores como si realmente tuvieran un pasado.

Ni cabizbajos, ni mucho menos, esperamos con ansias la próxima oportunidad de encuentro con el género de los sustos en esta tercera edición del Feratum Film Fest.

Para la revista Indie Rocks!

0.5 / 5

Viento Aparte

22 Oct

viento aparte

El director Alejandro Gerber estuvo en persona este pasado domingo en el Museo de la Mujer del Centro Histórico de la Ciudad de México para presentar su largometraje Viento Aparte. El filme, que debutó en el pasado Festival Internacional de Cine en Guadalajara, retrata a una nación dividida por estereotipos y prejuicios a través de los ojos de un par de adolescentes que cruzan el país entero con el deseo de reunirse con su familia.

Durante unas vacaciones familiares en Oaxaca, un confuso incidente que involucra a un cocodrilo en el agua provoca que la madre de Omar (Sebastián Cobos) y Karina (Valentina Buzzurro) se desvanezca y sufra una embolia, lo que causa que el padre tome una prematura decisión de partir en lancha con su esposa hacia el hospital, abandonando a los adolescentes, de 15 y 12 años respectivamente, para que encuentren su propio camino hacia la Ciudad de México. En el trayecto se topan con bloqueos, retenes militares, un indígena grosero, un camionero perverso y un granjero que busca OVNIs.

Poco antes de completar su recorrido Oaxaca – D.F., el padre les informa casualmente, después de batallar por establecer contacto telefónico, que tienen que extender su viaje hasta Paquimé. (fue hasta que los jóvenes vieron a unas víctimas del narcotráfico colgados de un puente en Juárez que me percaté que Paquimé está en el estado de Chihuahua, tache para mí).

Pero no todos los personajes que se encuentran en su odisea son villanescos, Gerber inserta en la trama a gente de bien, bondadosa, que son los que permiten que los chicos sigan adelante.

Sin embargo, el mensaje ya estaba trazado: México es un territorio marcado por la incomprensión y la discriminación, con algunos brotes de optimismo, como los personajes caritativos que aludí y como cuando los chavos juegan entre las ruinas pre-colombinas conocidas como Casas Grandes, en Paquimé; la belleza está aquí, ofuscada.

El soundtrack estuvo a cargo del compositor Alejandro Otaola, quién le da forma a las escenas a través de piezas minimalistas pero bellas. Cabe mencionar también las buenas actuaciones de Cobos y Buzzurro, con caracterizaciones que van siendo más centradas y potentes conforme sus personajes van madurando a causa de los rigores de la aventura, y se viene el cliché: un filme “coming of age”.

Al finalizar la proyección, en el marco del Festival de Cine Internacional con Perspectiva de Género: MICGénero 2014, la audiencia pudo compartir ideas con Gerber y parte del elenco; una interacción sin duda enriquecedora para la experiencia de esa tarde.

Para la revista Indie Rocks!

2.5 / 5

The New Black

21 Oct

the new black

En el análisis inmediato tras la conclusión de votación en California para la confusa Prop. 8 (se votaba sí para abolir el matrimonio entre personas del mismo género, y viceversa), hubo una porción de la comunidad LGBTTTI afectada que culpó a la comunidad afroamericana como los responsables de la derrota en las casillas.

En un esfuerzo por desmentir el estereotipo de ésta última comunidad como una arraigada en la homofobia, la religiosidad excesiva y la ignorancia, la cineasta Yoruba Richen realizó este documental, en el que retrata el proceso de campaña previo al referendo en el estado de Maryland, llamado Question 6, y que trataba el mismo tema del matrimonio entre homosexuales.

La directora humaniza la situación siguiendo a activistas afro-americanas, y homosexuales ellas mismas, en su lucha día a día, desde temprano, haciendo campaña tocando puerta a puerta mientras batallan con sus propios problemas personales, los cuales serían menores si tan solo el resto de la población se dignara en reconocer legalmente sus relaciones personales.

Pero el mejor logro de Richen es presentar un documental imparcial, que le da un espacio a ambas partes del conflicto para exponer sus opiniones, su proceso mental para llegar a la posición que sustentan. No cabe duda que Richen ha de haber tenido que esforzarse por contener sus propias opiniones sobre el tema, pero esto eleva su trabajo a un documental más completo y creíble.

Al final, las opiniones de la comunidad afro-americana, muestran ser propias y soberanas; a diferencia de la supuesta influencia que sufrían por parte de los líderes blancos, ya fuera religiosos o políticos. El ejemplo de lo sucedido en Maryland, con un alto porcentaje de población afro-americana (30%), demostró que el triunfo de la ley permitiendo el matrimonio entre homosexuales desmentía la aseveración de que la comunidad negra es inherentemente homofóbica.

Un trabajo cautivante por su temática y su evidente labor de investigación, el único detalle negativo es que a veces se siente como un segmento alargado de “60 Minutes”, que es el formato que normalmente siguen todas las noticias de la noche en E.U.A; sin embargo, The New Black es un magnífico ejemplo si se quiere demostrar lo que una comunidad pujante y unida puede lograr.

Este documental y otros trabajos a favor de la igualdad social es parte de la muestra del MICGénero 2014.

Para la revista Indie Rocks!

2.5 / 5

Queer Artivism

20 Oct

queer artivism

Para los que no han tenido la oportunidad de visitar uno de los varios festivales de cine “queer” en el mundo, es decir, de la comunidad LGBT, es decir, de la comunidad homosexual, bisexual y transexual; el documental Queer Artivism hace un repaso por los principales festivales de este género en Europa, entrevistando a organizadores, directores y diversos colaboradores de los eventos.

El proyecto esloveno por parte de las cineastas Maša Zia Lenárdič y Anja Wutej analiza la importancia de este tipo de eventos como parte de una sociedad progresista, abierta y tolerante.

Las realizadoras visitaron los festivales de cine queer emblemáticos de iKen en Nápoles, Italia; Zingoak en Bilbao, España; Queer Zagreb en Croacia; Entaubert en Berlín, Alemania y Queer Lisbon en Portugal. Recogiendo opiniones por parte de los involucrados en la organización del festival y los participantes con su talento cinematográfico, Lenárdič y Wutej conjuntan una serie de opiniones muy personales sobre lo que representa para ellos mismos eventos de este tipo y para la sociedad en general; los discursos son en buena parte todos complementarios entre sí mismos, el que habló enseguida completó lo que dijo la persona antes de él/ella y así sucesivamente, pero todos con un fuerte sentimiento de orgullo en su identidad y lo que están haciendo.

Sin lugar a dudas, señal de un buen trabajo por parte del equipo de edición. Una opinión muy recurrente, casi repetida idénticamente, es que los festivales de cine queer no son buenos sólo para la comunidad LGBT, sino para la comunidad “hetero”, o “mainstream”.

Personajes del cine internacional, y ellos mismos miembros de la comunidad LGBT, como Luca RagazziVictor NascimentoJuanma Carrillo y Jen Markowitz, recuentan su “primera vez”, es decir, su primera visita a un festival de este corte y sus opiniones personales sobre la relevancia de esta tendencia. En general todos concuerdan que el lado activista de estos festivales de cine es loable, pero que lo ideal es que se conviertan en festivales de cine reconocidos por su contenido de alta calidad, es decir, llegar a ser festivales de cine de primera categoría.

El epílogo mostrado durante los créditos muestra a las directoras preguntando a las personalidades cuántos festivales de cine queer piensan que hay en el mundo, sin que nadie sepa la respuesta, y sin que ellas la muestren (o sepan tampoco), lo cual resultó ser algo frustrante.

Queer Artivism se mostró como parte de la muestra del Festival de Cine Internacional con Perspectiva de Género: MICGénero 2014.

P.S. No lo mencioné en su momento, pero este documental es aburrido como sí solo.

Para la revista Indie Rocks!

1 / 5

Julia

19 Oct

julia

Un retrato de la cruel existencia de un niño que se convirtió en mujer y vivió, hasta donde sabemos, el resto de sus años como prostituta de las calles de Berlín: Julia, de nombre completo Julia Krivickas, fue en su momento un alumno (masculino) brillante, un apasionado por la pintura que estudiaba con las mejores maestras de Lituania, su tierra natal.

La rebeldía del muchacho y el deseo de hacerse de un poco dinero, aunado a un naciente problema con el alcohol y la confusión de su propia identidad sexual, hicieron que el joven decidiera escaparse a Alemania para empezar una nueva vida en completa libertad e independencia como una transexual.

La directora, J. Jackie Baier, colega y amiga de Julia, empezó a seguirla desde hace más de diez años con la cámara, cuando ambas se conocieron en un bar/burdel de Alemania. Claramente atraída a su sujeto, la fotógrafa y cineasta incentivó un romance entre la cámara y Julia, insertando a lo largo del documental algunas fotografías a color y en blanco y negro de los perfiles más agraciados de ésta última. Sin embargo, la historia de la protagonista no es tan bonita, hay una inteligencia de Julia que quiere asomarse pero sus vicios rápidamente la tapan, como cuando en pleno estado etílico dice “los días de gloria han quedado atrás, tengo que vomitar”.

A pesar del cariño que le tiene, Baier no se inmiscuye en la continua caída de Julia en sus vicios (frente a la cámara, por lo menos), sólo una vez se ve inspirada a abrazarla después de que ésta última confiesa “No puedo decir que soy hombre, y no mujer, soy algo justo enmedio. Dios estaba distraído cuando me hizo”.

Baier la glorifica con la cámara para después captarla en sus momentos más bajos, tales como practicándole sexo oral a un cliente de unos 75 años en el carro con los pantalones en las rodillas o hurgando en su bote de cientos de colillas recogidas de la calle a las mejores candidatas para hacer un cigarrillo. En resumidas cuentas, la directora es imparcial.

Cabe destacar la musicalización de Christopher Franke y Princessin Hans con piezas que resaltan las notas más importantes de las escenas, pero sin ser obstruyente. Al ver esta historia desgarradora, y lo peor, que Julia sabe lo que ha desperdiciado, “ni el hombre aventándose la cagada más grande, se podría comparar a mi vida”, se me vino a la mente la cita al final de A Bronx Tale: “talento desperdiciado”.

Pero libertad de elección a final de cuentas. Ésta y otras películas potentes que tratan los derechos sexuales y reproductivos son parte del MICGénero 2014.

Para la revista Indie Rocks!

3 / 5

Seguir Viviendo

18 Oct

seguir viviendo

En el marco del festival de cine MICGénero 2014 se presentó el más reciente trabajo de la directora mexicana Alejandra Sánchez(Bajo Juárez: La Ciudad Devorando A Sus Hijas). La nativa de Chihuahua ha sido conocida por avocarse en sus proyectos a la causa de las mujeres asesinadas en Ciudad Juárez y otros fenómenos que aquejan a su estado natal, y la película mostrada,Seguir Viviendo, no es la excepción.

En este largometraje, la cineasta combina elementos de una historia real, testimonios auténticos de personas que sufrieron en carne propia la trama, con un elemento de ficción que al mismo tiempo repasa y reimagina la continuación de la tragedia original.

Los sucesos reales: Jade y Kaleb García Andrade perdieron a su madre hace tiempo, una de las mujeres asesinadas en Ciudad Juárez (personalmente, “desaparecidas” se me hace un eufemismo muy políticamente correcto); cuando los niños volvían a construir sus vidas con su abuela, “mamá Norma”, ésta también sufre un atentado debido a su activismo social. Cabe mencionar que Sánchez estuvo en contacto directo con estas personas desde hace años.

Ahora, la ficción: Una reportera, interpretada por Nora Huerta, que también vive la reciente pérdida de su hijo, se hace cargo de llevar a los niños a la Ciudad de México para su seguro resguardo.

El viaje que los lleva a cruzar casi todo el país es lo que vemos en el filme, con un desvío forzado hacia un pequeño hotel/restaurante en la costa donde el personaje de Huerta se reúne con el padre de su hijo fallecido, ahora un travesti que interpreta números junto a un pianista interpretado por Tito Vasconcelos.

El traslado es casi monótono y sin incidentes; cada personaje, incluyendo a los niños, la reportera y el travesti más bien busca en su viaje interno las razones para seguir viviendo; una búsqueda espiritual de cada quién que a algunos les facilita localizar su objetivo y a otros no tanto.

Debo enfatizar en que los niños que vemos en pantalla son los mismos que vivieron la tragedia en la vida real, por lo tanto hay una diferencia notable en sus talking heads frente a la cámara recontando sus vivencias reales y en sus actuaciones en el resto de las escenas; por desgracia, se convierte en un punto negativo al combinar realidad con ficción.

Cinematográficamente, Seguir Viviendo es un tanto olvidable (me atrevo a decir que hasta el título no invita a la gran imaginación) en comparación con el otro trabajo documentalista de Sánchez.Aunque, a final de cuentas, cualquier tipo de atención que se le pueda dar a estos asuntos inconclusos de nuestra realidad nacional es buena.

Para la revista Indie Rocks!

2.5 / 5

Interior. Leather. Bar.

17 Oct

interior leather bar

El talentoso James Franco una vez más se encuentra aburrido de ser un simple actor. Conocido inicialmente por la sublime, pero fugaz, serie de TV Freaks And GeeksFranco encontró el estrellato en películas taquilleras como Pineapple Express, Your Highness y Oz The Great And Powerful. Aunque no satisfecho con este desempeño tan comercial, encontró refugio en papeles más complicados como en Milk y 127 Hours.

Aún sintiéndose incompleto, recurrió a producir, escribir y dirigir una novela de William Faulkner que se decía era imposible de filmar: As I Lay Dying. Pero cuando ni siquiera eso pudo saciar su apetito artístico, ¿qué más quedaba? Reimaginar cuarenta minutos removidos del thriller erótico homosexual sadomasoquista Cruising, la polémica película de 1980 estelarizada por Al Pacino y dirigida por William Friedkin (The Exorcist).

En aquel entonces, la controversial fue obligada a los minutos del material más gráfico y explícito, en los que Pacino daba vida a un policía encubierto en el inframundo de bares de encuentros gays en Nueva York tras la pista de un asesino. Unos veinte años después, cuando Friedkin quiso reinsertar ese material en el director’s cut del DVD, se dio cuenta que había sido destruido hace años. Franco, siempre curioso, se sintió intrigado por esta historia y finalmente decidió que estaría “de pelos” volverlo a filmar.

Como si no hubiera tenido suficiente con El Extraño En El Lago, un festín de sexo altamente explícito entre homosexuales me esperaba en Interior. Leather Bar. Pero esto solo es un artificio de la trama, el comentario de Franco (junto con su colaborador Travis Mathews) es puntual en analizar la libertad artística de aquel entonces y de hoy en día, los paradigmas de la homosexualidad en nuestra sociedad (¿ésta película celebra o condena el cruising?) y el proceso creativo de los actores involucrados; algunos de ellos ni siquiera son homosexuales, pero sí dedicados a su arte.

Al centro de la trama se encuentra Val (Val Lauren), amigo en la vida real de Franco y quien interpreta al antiguo rol de Pacino. Los conflictos de Lauren, quien se declara heterosexual, en tratar de adaptar sus intereses personales a este tipo de producción causan los dilemas más interesantes de la trama.

Éste y demás cine arriesgado que invita a discutir y analizar otros temas de sexualidad y libertad de género es parte de la muestra del MICGénero 2014, que se exhibe en varias sedes de la Ciudad de México.

Para la revista Indie Rocks!

1.5 / 5

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