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Spirited Away 千と千尋の神隠し

2 Nov

Una odisea de fantasía es lo que Hayao Miyazaki ha concebido en su película más celebrada, y en lo personal, la película animada más fantástica que he visto hasta la fecha. Spirited Away lleva al límite los alcances de la animación y empuja este arte de una manera que My Neighbor Totoro solo lo había insinuado. En El Viaje De Chihiro (título en español), Miyazaki presenta a una niña valiente llamada Chihiro (Rumi Hiiragi), que tiene que salvar a sus padres y a ella misma del mundo de los espíritus, esto después de que la familia se adentró accidentalmente en dicho plano después de tomar un camino equivocado hacia su nuevo hogar en la campiña.
En el mundo de los espíritus es donde encontramos los personajes más creativos y llamativos de Miyazaki, con el poder visual de cien Totoros, hay monstruos enormes silenciosos, y hombres-rana que son serviciales pero enojones, algunos son buenos y ayudan a Chihiro en su aventura, mientras otros son malvados, como la bruja Yubaba (Mari Natsuki), que fue la que originalmente convirtió a los padres de Chihiro en cerdos y pretende quedarse con el alma de Chihiro (a quién le roba su nombre, y la renombra Sen) para siempre.

Inspirado en las niñas que visitaban junto con el resto de su familia su cabaña de vacaciones en el bosque, Miyazaki, pretendió que Spirited Away fuera un filme tipo coming of age, donde la niña Chihiro, a punto de entrar en la adolescencia, descubre que la fuerza que necesita para ganarle a la bruja Yubaba, estaba dentro de ella todo el tiempo. Puede que se escuche genérico el mensaje, como los tópicos que normalmente manejan Disney y Pixar, pero la imaginación de Miyazaki realza el impacto visual de esta película, compensando cualquier desventaja técnica en animación que pueda tener contra algún clásico de Disney, con un carnaval de personajes y felicidad, repleto de colores, humo, vapores, y comida; Dios, la comida!; es casi otro personaje en este filme, platillo tras platillo de deliciosa comida japonesa, incluyendo yakimeshis, tepanyakis, bollos rellenos de algún componente sabroso (el no saber mucho de la gastronomía japonesa solo ensalza el atractivo de los platillos); con toda la animación a mano, Miyazaki trabajando de cerca con los animadores, y solo algún apoyo con las computadoras. Esto, a diferencia de My Neighbor Totoro, le brinda algunos aspectos realistas impresionantes, como a las enormes piedras labradas afuera del mundo espiritual.

Unos espíritus pasándosela bomba en el onsen donde trabaja Chihiro

Chihiro y sus padres manejaban por el campo hacia su nuevo hogar, cuando su padre toma un camino equivocado y se topan con un pueblito abandonado, lo que el padre llama “uno de esos viejos parques temáticos abandonados”, y deciden explorarlo. Los padres son convertidos en puercos cuando se sientan a devorar el festín de lo que ellos piensan es el único local abierto del lugar. Acto seguido el sol empieza a caer, y unos seres se empiezan a materializar en el pueblito. Chihiro, asustada, busca refugio y ve como un antiguo barco de vapor llega a la orilla del río y desciende un desfile de seres raros, como grandes peluches elegantes. Un muchacho, Haku, se acerca a Chihiro y le explica que está pasando, le explica que está en el país de los espíritus, los cuales visitan un gran onsen (baño termal, muy comunes en Japón), para relajarse y purificarse; le explica que los seres humanos no son bienvenidos y debe esconderse de la bruja Yubaba, la cual se convierte en un tipo de cuervo gigante por las noches, para vigilar su imperio desde las alturas, presumiblemente. Sus padres han sido convertidos en cerdos por Yubaba (por glotones) y le da indicaciones para que busque trabajo en el onsen, así Yubaba no podrá apoderarse de ella.

El comentario de Miyazaki hacia los caprichos del capitalismo está demasiado presente, los padres viajan en su auto extranjero (un Audi), y visten de playeras polo americanas. Cuando se encuentran con el puesto de comida, se sientan sin preguntar que onda con el puesto, ellos asumen que es un restaurante desatendido y pagarán después, y proceden a devorarse los suculentos platillos. Mientras trabaja en los baños termales, a Chihiro se le aparece el No-Face, un espíritu negro sin rostro, pero glotón, que devora comida y otros espíritus sin parar. Este consumo desmesurado, de influencia extranjera, puede ser un comentario de Miyazaki sobre los aspectos negativos del capitalismo. Él ha declarado en entrevistas que añora por un Japón antiguo, puede ser un conservador que como cualquiera extraña una época más sencilla, como la de su juventud; y también incluye mensajes de ecocidio, como cuando se aparece un “espíritu apestoso”, que parece una montaña de suciedad avanzando lentamente hacia el baño termal. Chihiro descubre que es el espíritu guardián de cierto río grande, que ha sido contaminado demasiado por las personas, y lo “cura” destapándolo de todos los objetos sucios que lo tenían congestionado.

La desagradable Yubaba

Chihiro, con su inocente manera de ser, encuentra el apoyo de algunos espíritus benévolos que la ayudan en salvar a sus padres, mientras, nosotros nos sumergimos en una colorida reinterpretación de la cultura japonesa, la de los baños termales, los suculentos festines que se les prepara a los clientes, y una cornucopia de interesantes personajes como una ranita que habla y un bebé gigante. Spirited Away es una fantasía que hace tributo a “Alicia en el País de las Maravillas”, así como El Mago De Oz, sobre la niña ingenua que busca su regreso a casa, pero en esta obra maestra de Miyazaki, uno encuentra algunos pedazos de su pasado personal, y de su imaginación, sumergidos en esta caricatura japonesa. Para niños y adultos por igual, es un infaltable de la animación y del cine mundial.

P.S. Aquí hay un buen video que explica más a fondo la relación entre el consumismo y la película:

4.5 / 5

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My Neighbor Totoro となりのトト

2 Aug

Un paseo agradable y parsimonioso por los inventos de la imaginación infantil, Mi Vecino Totoro (となりのトト) es una de las obras más conocidas del director y escritor Hayao Miyazaki. No hay villano, no hay realmente un conflicto por resolver, y la fantasía no es desbordante, de hecho, pienso que vemos poco del personaje titular, un espíritu/animal gigante del bosque llamado Totoro, que parece un enorme gato-pinguino de peluche, me quedé con ganas de ver más a la criatura de Totoro.

El ritmo pausado y el entorno relajante de la película es el escenario perfecto para el nuevo cambio de vida para el profesor Tatsuo Kusakabe, quién se muda a la campiña japonesa (el llamado “satoyama”, cualquier valle al pie de las montañas en el Japón) con sus dos hijas, Satsuki, de 10 años, y Mei, de 4, para estar más cerca de su esposa, que se encuentra en un hospital debido a una enfermedad que nunca conocemos. La nueva casa de campo es vieja y enclenque, con pilares que se están pudriendo. Echarle una buena mano de gato a la casa nos demuestra la cercanía amorosa y casual por parte de la familia, a quién les ayuda Nanny, una viejita nueva vecina japonesa que al parecer ya conocía al papá. A estas alturas del texto, creo que dejaré de referirme a cualquier objeto con denominación “japonesa”, pues árbol, viejita, bosque, y todo lo demás, en el Japón, no se les dice “viejita japonesa…etc.” :) 

El paisaje campirano del satoyama permite que Miyazaki, junto con su mancuerna, el director de arte, Kazuo Oga, capturen el paisaje natural con una fuerza de vida que parezca que los árboles, las flores, los pastos altos, tengan una vitalidad inusitada en las plantas. Oga y Miyazaki se aprovechan de la amplia gama de colores disponibles para hacer los encuadres más hermosos y diversos que se han visto en la animación, realmente algo distinto (no quiero decir mejor) a la animación digital que hemos estado viendo con Pixar, la cual, como vimos en Coco, tiene su propio mérito.

Miyazaki introduce los elementos fantásticos poco a poco, primero por medio de unas bolitas de polvo vivientes que las niñas Satsuki y Mei, se encuentran en los cuartos oscuros. Después, Mei, jugando en el jardín que también es parte de la campiña, corretea a unos monitos simpáticos que parecen como conejos de dos patas, hasta que finalmente, la niña cae por el hoyo en el tronco de un gran árbol de alcanfor, y accede accidentalmente a la guarida de Totoro, con quién inmediatamente establece una relación de amistad. Tal como lo ha mencionado Miyazaki en otras ocasiones, las historias de Disney son un referente para él, y en este caso, se nota la influencia de Alicia en el País de las Maravillas, de Lewis Carroll. De hecho, uno de los personajes más vistosos en My Neighbor Totoro, el llamado Catbus (gato-camión), en efecto, un enorme gato como con 8 patas que sirve de camión para llevar a Totoro a donde se le ofrezca, tiene un fuerte parecido con el Chesire Cat de Alicia, incluso la sonrisa de Totoro también se asemeja a la de aquel gato, que en mi opinión, me parece una sonrisa particularmente sardónica y medio amenazante.

El satoyama, animado por Miyazaki

El papá no puede ver a la criatura fantástica (por supuesto), ni siquiera cuando Totoro y las niñas plantan unas bellotas en el jardín, y a medianoche las hacen brotar, y luego crecer, hasta llegar a ser un imponente árbol, todavía más grande que el alcanfor gigante donde vive Totoro. Al día siguiente, las niñas descubren que el árbol no está ahí, pero mínimo, las bellotas han brotado, así que no queda claro que sucedió esa madrugada. Son algunos detalles que Miyazaki no se molesta en explicar, y así está bien, a veces la imaginación infantil funciona así, confundes qué fue real, con qué fue un sueño.

La convivencia ideal es rara vez perturbada, y cuando sucede, no es por algún villano o alguna catástrofe, pero como una parte natural de la vida…la madre de las niñas se encuentra en el hospital y puede que haya recaído o ande en mal estado, y en un momento de ansiedad, la pequeña Mei sale en búsqueda del hospital, y esto nos sirve para apreciar aún más los paisajes de Miyazaki que parecen pintados con acuarelas. My Neighbor Totoro es considerada una de las películas animadas más influyentes del Japón, un referente del arte del animé, y una vez que Miyazaki había regurgitado sus influencias de Disney, la compañía norteamericana se vería influenciada a sí misma para el llamado Renacimiento Disney de los 90’s y para los subsecuentes trabajos de Pixar.

4 / 5

Coco

5 May

En el vasto mundo de la animación, los dioses Disney y Pixar han hecho entrega, a lo largo de los años, de películas dignas de admiración por su excelencia temática, técnica y ejecución. Tomando en consideración que sus productos van dirigidos para niños principalmente, pero cuya crítica estará compuesta exclusivamente por adultos egoístas que se les olvida que es una película infantil, siempre es un reto para la productora Pixar equilibrar el tono de la narración, el guion, y hasta del humor dentro del filme. Aun así, Pixar ha entregado puras joyas alabadas por todo tipo de público desde la primera Toy Story, pasando por Wall-E, Up, Inside Out, las otras Toy Story, etc.

Ahora Coco es propuesta como la mejor entrega de la compañía, y eso habla de lo prolífico que es aquella productora, cada nueva película aparenta ser mejor que las pasadas, incluso cuando el estándar ya es bastante elevado. La que originalmente iba a ser llamada “Día de los Muertos” (cuyo nombre original fue vetado después de un mini-fiasco de relaciones públicas), es, dejando las comparaciones de lado, una película completa que toca temas como la familia y la muerte con levedad, pero cuya trama resuena en nuestras propias vidas de tal manera que, dicho simplemente, mucha gente terminó chillando al terminar la película. Y no menos importante, la animación empleada en Coco es algo que seguramente no habías visto en tu vida.

Miguel con su tatarabuela Coco

No me voy a poner en un plan super condescendiente, como algunos compatriotas, especialmente los mexico-americanos en E.U.A. (donde aparentemente la gente tiene más tiempo y comodidad para hacer grilla por cosas como la “apropiación cultural” o por Apu de Los Simpsons) y ponerme como la máxima autoridad de la cultura mexicana (o “MI CULTURA”, como la llaman algunos) y ponerme a criticar toda la producción, porque ahora resulta que soy la máxima autoridad en cuanto a chistes sobre piñatas se refiere, solo por ser mexicano. He visto críticas de chicanos sobre como “el hombre blanco (perenne fuente del mal y enemigo eterno de los chicanos) no disfrutará completamente el filme porque no entenderá algunos chistes rebuscados sobre la selección mexicana de fútbol o Frida Kahlo”; uy!, no pues hay que tener cuidado con tan tremendas referencias culturales sofisticadas que ni Robert Langdon hubiera encontrado jamás. A veces dan ganas de precisar que México es más que lo que incluso los chicanos piensan: fútbol, luchadores, Frida Kahlo, piñatas, chanclas aventadas, pan dulce, mariachi, etc…pero precisamente dije que no iba a ponerme en este plan y ya llevo un párrafo, así que fin del rant.

La película empieza con un recuento de lo que fue el antiguo héroe de la música mexicana, Ernesto De La Cruzc (un clon de Pedro Infante), y como abandonó a su esposa Imelda Rivera (Alanna Ubach) y a su hija de 3 años Coco. Imelda no se tiró a la depresión y empezó un fructífero negocio de zapatos, que en el presente todavía es atendido por la familia Rivera; el abandono de Ernesto causó un fuerte rencor en Imelda por la música e impuso una veda a todo tipo de expresión musical en su familia; todo esto contado en una linda animación en papel picado (por supuesto).  Miguel Rivera (voz por Anthony Gonzalez) es un niño en Santa Cecilia, típico pueblito mexicano del interior del país que está destinado para hacer zapatos como el resto de su familia. Su abuela Elena (Renée Victor) le impone la prohibición por la música a pesar de que lo quiere mucho, pero Miguel realmente desea ser un músico como su ídolo Ernesto De La Cruz, ensaya clandestinamente su guitarra con su fiel compañero, el perro xolo Dante, a su lado, mientras él imita a su ídolo en viejas películas VHS y álbumes.

El espectacular mundo de los muertos

El conflicto se suscita cuando Miguel trata de perseguir su sueño musical, y ahí está su familia para prohibírselo. Cuando trata de robar una guitarra del mausoleo de Ernesto De La Cruz, por alguna razón mágica (llámese “es una caricatura”) se transporta al mundo de los muertos donde conoce a sus antepasados. Ahí está Imelda y otros familiares fallecidos, y para sorpresa de nadie, tampoco aprueban las ambiciones musicales de Miguel. Así que el niño, con la ayuda de un esqueleto vagabundo, el jocoso Héctor (Gael García Bernal), sale en busca de Ernesto De La Cruz, para conseguir su bendición, cosa necesaria para regresar al mundo de los vivos.

Y de ahí se suscitan el resto de los plot-twists que tanto nos gustan, pero independientemente podrán apreciar una historia llena de color, literalmente, es cierto que la cultura mexicana se presta mucho para los paisajes coloridos, y verán como en la pantalla brilla como oro el naranja del cempasúchil, el plateado de las máscaras de luchador, y el multicolor de diversas artesanías, flores y fuegos artificiales. Esto se magnifica en el “mundo de los muertos”, donde el director Lee Unkrich toma de las obras de Miyazaki, y reconocerán la proverbial torre futurista que siempre aparece en la ciencia-ficción, como Metropolis y Blade Runner, y que en este caso sirve como la morada del ídolo De La Cruz.

Ya había hablado de la calidad de la animación, y podrán asombrarse sobre lo real que se ve el cabello de los personajes, o las arrugas en el rostro de Coco, la abandonada niña que ahora es la tatarabuela de Miguel. Los personajes en el mundo de los muertos, son esqueletos más graciosos que amenazantes, y aunque visto desde un punto de vista general se puede considerar a todo este aspecto como macabro, especialmente para niños en otras culturas del mundo donde no se celebra algo como el Día de los Muertos, nunca sentí que los guionistas Adrian Molina (co-director también le pusieron) y Matthew Aldrich, se despegaran del tono que todo mundo espera de algo que lleva la marca Disney, incluso hay uno que otro chiste que son más oscuros y aluden directamente a la muerte de una persona.

Los números musicales son divertidos y las composiciones de calidad, desde la conocida “Remember Me” a “Un Poco Loco” (un dueto entre Miguel y Héctor) y una reinterpretación de la canción tradicional “La Llorona”. El soundtrack musical, por su parte, corrió a cargo del reconocido Michael Giacchino. Es notorio el cariño que el equipo de Unkirch y Molina pusieron en hacer la investigación cultural (estuvieron algunos meses en México), el resultado, más que “correcto” o “respetuoso”, es dinámico y entretenido, cometido final de cualquier espectáculo, porque no es un documental. Miguel, y el público, aprende sobre los valores familiares, la muerte y el amor. Coco, la llaman una carta de amor a México, me gusta más para que sea una carta de amor al buen cine.

4 / 5

Paperman

15 Jan

paperman

Tuve la oportunidad de ver el corto animado de Disney que precisamente precedió a Wreck-It Ralph, la última película de los estudios de Disney que ví. Paperman (paperman por cuestiones estilísticas) es interesante porque mezcla técnicas de animación en computadora (que es lo más común hoy en día) y a mano, como en los viejos tiempos. El director, John Kahrs, quién ya había trabajado como animador para Disney en proyectos como Tangled, estuvo proponiendo el trabajo al jefe supremo de todo lo creativo en Disney y Pixar, John Lasseter, antes de que le dieran la luz verde poco después de terminar Tangled.

Un bello corto en blanco y negro, en 3D, paperman es anticuádamente romántica y en seis minutos reúne a un hombre y a una mujer que se conocen en la estación de un tren. Se llama paperman porque el hombre, simbolizando al típico príncipe azul, utiliza aviones de papel para seguir en contacto con esta mujer a la que no conoce. Que mejor objeto puede quedar a la merced del destino que un frágil avión de papel a la merced del viento?; Kahrs habrá estado consciente de que este romance, por lo menos en trabajos de Disney, es mejor visto en otras épocas (lo menciono brevemente en Ralph El Demoledor, donde las princesas pasivas a merced de la voluntad del príncipe parecen haber quedado atrás), que aunque no se especifica, el corto parece que tiene lugar en 1950, por ahí.

Paperman ganó el Óscar a mejor corto animado en el 2013.

Seis minutos bien invertidos.

3.5 / 5

Wreck-It Ralph

13 Jan

wreck it ralph 3
La película número 52 de Walt Disney es un viaje por esos mundos imaginarios que si hacemos un esfuerzo, podemos recordarlos como parte de nuestra psicología infantil, y que nos podían intrigar o asustar, pero definitivamente estábamos seguros de que existían; tal como el closet lleno de juguetes (ya analizado en las Toy Story) y el centro del árbol de navidad (creo que hay una caricatura de las ardillas Chip & Dale sobre esto), el mundo de los videojuegos dejaba mucho a la imaginación, preguntándonos a dónde se iban todos esos monitos cuando no estaban “trabajando”. Un mundo al estilo Tron, pero más alivianado y chistoso. Wreck-It Ralph es un divertido recorrido por estos mundos de los videojuegos meticulosamente construidos bajo la tutela del legendario experto de la animación, John Lasseter.

Realizada totalmente en computadora, el proyecto fue desarrollado en 3D, y aunque no tuve la oportunidad de verla en el cine, si pude probar una de esas televisiones para el hogar con esta capacidad de 3D y déjenme decirles de paso que las recomiendo bastante. El proyecto se venía cocinando desde los 80’s, originalmente con el nombre de High Score, y fue casi lanzado en los 90’s y luego en el 2005 también, bajo diferentes nombres. Por eso, ahora que llega a las salas de cine en el 2014 finalmente, el concepto de el mundo detrás de los videojuegos de maquinitas (las arcades) es ya hasta casi retro, ya que estos aparatos han desaparecido casi en su totalidad a favor de las consolas y los juegos para la compu. Afortunadamente la vi en 3D, desgraciadamente doblada al español. Un pequeño inconveniente pero tolerable si se trata de una caricatura.

Ralph El Demoledor es el personaje estelar (John C. Reily/Mario Filio), el villano de un juego de maquinita que está cansado de siempre ser el malo de la historia, especialmente porque a su contrincante, el héroe del juego, Fix-It Felix (Jack McBrayer/Moisés Iván Mora), los demás personajes del juego lo apapachan con pastel y felicitaciones. Si solo Ralph pudiera conseguir una medalla de algún lado, sus colegas del juego seguramente lo respetarían, o así lo piensa él. Entonces es la aventura del personaje principal viajando por el país de los videojuegos en busca de su medalla, dos juegos en particular son los que pesan más en la trama, Hero’s Duty, que es al estilo del “first person shooter” Half-Life, de donde Ralph tratará de obtener su medalla disparando a insectos super-agrandados; y el otro es el casi infantil Sugar Rush, un juego de carreras lleno de niveles construidos con puros dulces, un paisaje azucarado que deleita la pupila, de hecho los productores visitaron fábricas de dulces en Alemania para obtener algunas ideas sobre cómo construir estos paisajes.

El mundo de sugar Rush

El mundo de Sugar Rush

En este país de los videojuegos, como los niños lo podrían suponer, los personajes de los diferentes juegos de maquinitas conviven entre sí y hasta tienen fiestas; como hicieron convivir al Pato Donald con Daffy Duck en su momento con Who Framed Roger Rabbit?, Disney ahora mezcla a reconocidos personajes de Street Fighter, Mortal Kombat, Sonic the Hedgehog, Q*Bert, Donkey Kong, y hasta del clásico Pac-Man, donde los monitos atienden juntas de villanos anónimos (donde Ralph busca ayuda para su depresión). Como es costumbre con las películas de Disney, es una historia dulce, gracias a un guion escrito por Jennifer Lee y Phil Johnston. El solitario Ralph encuentra una compañerita en una supuesta corredora de Sugar Rush, Vanellope Von Schweetz (Sarah Silverman / María Antonieta de las Nieves…sí, la mismísima “Chilindrina”, en español), una “falla o glitch” en el juego, Vanellope es repudiada por las otras corredoras, quienes le dicen que “no es una corredora de verdad”. No solo un homenaje a los videojuegos, por cierto se planea una secuela que ahora si incorpore la realidad de esta industria, es decir a las consolas y a las PC’s; Wreck-It Ralph es una historia que analiza la discriminación y el bullying, que está tan de moda.

También al parecer, Disney ha dejado definitivamente atrás todo el rollo sexista de la princesa que espera a ser rescatada, pero con cuyo concepto se quedaron tan compenetradas muchas treintañeras que todavía alcanzaron a disfrutar el “renacimiento Disney” de los 90’s. Ahora ni siquiera el romance es el tema central de las historias, tal como en la eventual Frozen.

3.5 / 5

Les Contes De La Nuit

28 Dec

les contes de la nuit

El pasado viernes 6 de diciembre, la Cineteca Nacional se vistió de gala en homenaje al reconocido director francés Michel Ocelot, quien cumple cerca de cuarenta años cautivando a personas de todas las edades con los engendros de su imaginación. Llamado por la crítica internacional como un “genio de la animación”, Ocelotregresa a la técnica de animación por medio de siluetas, las llamadas “sombras chinescas” (ombres chinoises), en Los Cuentos de la Noche (Les Contes de la Nuit, 2011), proyección que abrió el Ciclo Michel Ocelot que tendrá lugar hasta el 15 de diciembre.

El director estuvo presente en la sala 10 de este lugar para platicar un poco de su obra e inspiraciones con prensa y público, en su mayoría intrigados por conocer el proceso creativo que se conjuga en impactantes imágenes sobre la pantalla. Ocelot explicó, casual y amablemente, tanto técnica como conceptualización, puntualizando que sus animaciones están basadas en simples historias que nacen de su propia imaginación o que son extractos tomados de antiguas fábulas y cuentos pero adaptados libremente por el artista para su obra.

les contes de la nuit 2Los Cuentos de la Noche es una serie de seis cortos animados conectados por la recurrente temática de un viejo artista y sus dos ayudantes en una antigua sala de cine parisina, concibiendo y después ejecutando las historietas que son presentadas. Los cuentos son fábulas simplistas que tratan de amor, amistad y los valores humanos; es en la sencillez del mensaje que uno puede encontrar el atractivo en la temática de estos conceptos tan universales así como en el minimalismo de las siluetas: príncipes, princesas y animales parlantes son sombras que rara vez vemos mover la boca; en cambio, la mirada penetrante de los personajes cala hondo cuando voltean a ver a su público. La oscuridad de las siluetas resaltan los psicodélicos fondos y a su vez los colores chillantes alimentan la negrura de las sombras, este contraste en la estética de Ocelot crea mundos de estética cautivante.

Al final de la exhibición, Ocelot sostuvo una charla con la audiencia, atendiendo todo tipo de preguntas sobre la creación de la película. Un precoz infante de cinco años sentado a mi lado recibió una de las respuestas más puntuales del director cuando el pequeño le preguntó: “¿cómo hiciste la película?”, seguido de risas y un largo “awww…” El suspiro del director antes de contestar respondió en ese instante a todas nuestras dudas.

Para la revista Indie Rocks!

 

3.5 / 5

Where The Wild Things Are – – – Una visión de Spike

18 Aug

Como me hubiera gustado ser niño al momento de ver esta película; el director Spike Jonze, ampliamente reconocido como uno de los mejores directores de videos musicales, dijo al momento del lanzamiento que “Donde Viven Los Monstruos no es una película para niños, es una película sobre la niñez”, pero el resultado final es una experiencia única y estoy seguro que memorable para los afortunados que pudieron ver esta cinta estando aun en su infancia. Gracias a la insistencia del director, y en contra de las objeciones de los estudios, los críticos y en general los parámetros exageradamente cautelosos de hoy en día (especialmente cuando se trata de un producto para niños), logra llevar a su finalización la idea artística original con la cual se embarcó en este proyecto años atrás…y el resultado es una cinta de fantasía, un poco aterradora (poco) y ambigua, muchos niños han de haber quedado confundidos al final, acaso fue un final feliz o triste?…y dicho sea de paso se trata de dejar de lado la basura CGI a favor de botargas fantásticas animadas por los expertos para tales actividades del Jim Henson’s Creature Shop, responsables de Plaza Sésamo.

La película está basada en el libro infantil de Maurice Sendak de 1963, con solo 10 enunciados, la novela es una metáfora que ejemplifica el temor infantil de acoplarse a nuevos sentimientos como la ira, los celos, la incertidumbre, la supervivencia y en general: el dejar de ser un niño. El viaje metafórico comienza con Max (interpretado, en una coincidencia cósmica, por Max Records, que como todo mundo, también apareció en la serie Freaks and Geeks) cuando se pelea con su mamá y su hermana, el padre está ausente, puede estar muerto o viviendo en otro lado, o se especifica. Max huye de casa y acaba en una isla habitada por monstruos enormes y fuertes (una de las voces es James Gandolfini aka Tony Soprano) pero con la inteligencia emocional de una bola de niños. Pronto Max se encuentra recibiendo toda la atención que le hace falta en su mundo real, los monstruos escuchan ansiosamente cada palabra de sus historias descabelladas. Desacostumbrado a tal adulación, Max se emborracha con “poder” y en un instante lucha contra los celos y las inseguridades de los monstruos, para después caer de su gracia y considerar el retorno a su seguro hogar en el mundo real.

Spike Jonze y Max Records

La idea original de Disney a principio de los 80’s era convertir el cuento en un largometraje que utilizara animación tradicional con efectos computarizados, pero dado que dicha tecnología se encontraba en sus etapas iniciales, el proyecto no pasó más allá de una etapa de testing, con resultados insatisfactorios. No fue hasta los 2000’s que Universal Studios se hizo cargo del proyecto y pensaron hacer una animación cualquiera al estilo Pixar. Al poco tiempo alguien tuvo los huevos de decir: “Hey, porque no mejor traemos a Spike Jonze e intentamos hacer algo diferente?”. Fue así como la cinta se convirtió en una combinación de botargas de Jim Henson, efectos CGI y actores de verdad. La etapa de producción no estuvo libre de contratiempos, pues Jonze tenía a sus espaldas a ejecutivos preocupados y padres de familia timoratos que pensaban que la película “daba miedo” y “no era para niños”. Universal hizo lo que puede esperarse de un buen estudio Hollywoodense y se dio vencido con el proyecto, vendiéndoselo a Warner Bros. en un acuerdo que también incluía compensación por la inversión/producción hecha hasta ese entonces. El principal responsable de mantener el proyecto a flote hasta ese entonces fue el propio autor, Maurice Sendak, que insistía en que la visión de Spike era lo que el siempre había imaginado para su novela.

Lanzada en el 2009, la combinación del innovador director de videos musicales Jonze, el escritor Dave Eggers y Karen O. de los Yeah Yeah Yeah’s garantizaba una experiencia audiovisual 100% “hipster” como no se había visto en los últimos tiempos, y en efecto todavía seguimos viendo su influencia hasta en haber puesto de moda por un tiempo el font ese creo llamado Strangelove ——>

copiones del font

A final de cuentas esta adaptación no hace compromisos con nadie y ese es el mérito de un verdadero artista, su visión por sobre todo.

4.5 / 5

 

 

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