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La La Land

15 Mar

Recuerdan la primera parte de Mulholland Drive, antes de que la trama de un giro de 180 grados?; La La Land es como esa primera mitad, donde todo es color de rosa, todo es dulce, donde se te cae el frasco de leche y solo dices “rayos!” con un gesto chistoso. Es un gran romance agridulce para ser bebido y disfrutado por sus ricos sabores sin temor a alguna consecuencia negativa como malestar estomacal, los que no estuvieron de acuerdo con el final creo que no están entendiendo el punto, de que este melodrama fue hecho para disfrutarse dentro del confort de este mundo de fantasía de los musicales del viejo Hollywood. Tristeza y fracaso?, simplemente recordar la otra mitad de Mulholland Drive para encontrar a actrices que fracasan y sueños que no se pueden alcanzar, para regresar a las realidades de la vida; o hay que dar un paseo por Hollywood Blvd, donde las estrellas yacen en el piso, y ver a todos esos actores de traje en pleno sol apestando a rayos para tomarse unas fotos con los turistas, para recordar de otra forma la verdadera realidad de Hollywood. La La Land: Una Historia de Amor no se trata de eso, se trata de imaginar y disfrutar sin remordimientos.

Si lo he dicho una vez, lo diré cien veces: los melómanos hacen las mejores películas, y en este caso, el escritor y director Damien Chazelle realiza uno de los productos más inverosímiles de Hollywood: el musical; pero dejando que la pasión por la música y el arte se salga un poco por las orillas desgastadas de este lienzo, no es perfecta, como por ejemplo haber puesto en los roles principales a Ryan Gosling y Emma Stone, dos actores que definitivamente no son cantantes ni bailarines, simplemente hay que ver a Stone bailando el primer número con Gosling, “A Lovely Night”, para ver que tiene la agilidad de una lata de frijoles, pero encontré en eso, y en la voz de pito para cantar de Gosling, una historia sobre la pantalla más creíble y orgánica. La La Land con Justin Timberlake y Rihanna, o dos profesionales de los escenarios neoyorquinos, hubiera estado un poco más de hueva y medio plástico, demasiado perfecto. Chazelle filma a Sebastian (Gosling) y a Mia (Stone) de cuerpo completo, con poca edición, dejando que el público pueda disfrutar de los números de baile sobre los impresionantes fondos de la producción, como un cielo estrellado adentro del Observatorio Griffith en el número “Planetarium”, o una creativa re-imaginación de París durante una audición de Mia, en el número “Audition / The Fools Who Dream”, casi no hay cortes en la edición, y la cámara, sin cortar la toma, hace paneos suaves, para un lado y para otro, para arriba y para abajo, como para ver la acción desde otro punto de vista; algo muy diferente a lo que puede pasar en un mal musical, como las tomas cerradas de la nefasta Xanadu, de Olivia Newton-John.

Seb y Mia bailando en el observatorio de Griffith Park…cool, no?

Sebastian (Gosling), es un apasionado músico de Jazz, quien por el momento toca en el piano canciones navideños adentro de un restaurante; y Mia (Stone) es una aspirante a ser actriz que por lo pronto trabaja en un café adentro del campus de Warner Bros. Después de que la película empieza con un espectacular número bailable por parte de decenas de personas en el cruce de las autopistas 105 con la que va hacia el centro de Los Ángeles: la 110 (los rascacielos se ven en el fondo), Sebastian y Mia se conocen por primera vez, de carro a carro, en el típico “meet cute” de una película romántica, se tocan el claxon y se pintan el dedo. Sebastian y Mia logran hacer lo que prácticamente es imposible en L.A., volver a encontrarse de casualidad no una, sino dos veces. Eventualmente entablan una relación y se enseñan la pasión que tienen por sus respectivos artes, Sebastian sueña con tener un club de jazz, un pequeño lugar donde pueda sobrevivir el jazz auténtico, porque dice que no lo puede dejar morir. Y Mia habla de cómo creció con la influencia de su abuela, que le inculcó el amor por el viejo cine y cuenta con los viejos posters de Casablanca, y otros clásicos, por su departamento…o sea para nada quiere ser una actriz por la fama y por emular a las estrellas vacías de hoy como las Kardashian-Jenner-como se llamen, sino que su amor por el cine, el clásico, es auténtico, igual al amor de Seb por el jazz original. La La Land es Chazelle, el protector de las bellas artes, en su etapa más nostálgica y clásica; como su previo filme, Whiplash, pero sin todo eso de la auto-referencia (Chazelle quería ser baterista de jazz originalmente, al igual que el chavo en Whiplash).

Chazelle asalta el género más emblemático del viejo Hollywood: el del musical, con una buena surtida gama de referencias, guiños y tributos a trabajos del pasado, incluso desde antes de la primera escena ya estamos viendo el logo de CinemaScope, antiguo formato de filmación que dejó de ser utilizado en 1967 (en efecto, no fue filmada digitalmente, sino en filme, pero no en verdadero CinemaScope, pues esa tecnología ya está extinta), y se vienen referencias a clásicos del género musical como el francés The Umbrellas of Cherbourg (1964) y el americano Singin’ in the Rain (1952, y para mi gusto, el musical en su máxima expresión dentro del cine); así como Seb le asevera a Mia que él está dispuesto a salvar el jazz, Chazelle pretende hacer lo mismo con el género musical, aunque sigamos viendo trabajos dentro de esta categoría con regularidad, como por ejemplo Chi-Raq de Spike Lee el años pasado. Sin embargo, durante los pasados premios de la Academia, cuando Moonlight se alzó con el premio a mejor película, Chicago (2002) sigue siendo el último musical en ganar dicho Oscar.

El eventual amor de Sebastian y Mia se desenvuelve por los lugares más emblemáticos de L.A. (NO, no incluye Disneylandia ni Universal Studios…pero las Torres Watts, que pareja va ahí?), y durante la segunda parte de la película los personajes se ponen a realmente a pelear por sus sueños; tras varios castings fallados, Mia pone en escena un show solista escrito y estelarizado por ella, mientras que Seb se une a un grupo de jazz-rock de su amigo Keith (John Legend). El desenlace de la pareja y de sus sueños profesionales puede dejar frustrado a más de uno en el público, pero creo que no es el punto de este trabajo de Chazelle, el punto es disfrutar este cuento de hadas, que cuenta con una excelente producción, y que se desarrolla en la “City of Stars” (como lo dice uno de los números, algo insípidos, a mi parecer, del amigo de Chazelle, Justin Hurwitz). La La Land es una dicotomía, Chazelle le pide a su público que encuentre lo mágico de lo auténtico dentro de un musical moderno sobre Hollywood; los chistes son sobre vivir en L.A., pero sus tomas más impresionantes son sobre la ciudad, ya sea Mia y Seb bailando frente a un atardecer en Mulholland Dr. o en las afueras de Griffith Park, expresan la confusión que muchas personas, aspirantes a ser artistas, tienen una vez en L.A., algo como: me dijeron que esta, se supone, es la ciudad de los sueños.

4.2 / 5

Only God Forgives

2 Jan

only-god-forgives-1Esta oscura aventura hacia los gustos excesivos de Nicolas Winding Refn fue la que empezó a levantar sospechas de que quizás el director danés se revuelca en su “cine fetichista” (como él lo ha descrito), más para satisfacerse a sí mismo y con poca consideración para el público. Después del éxito consumado de Drive (2011), que contó con el guion de Hossein Amini, basado en el libro homónimo por parte de James Sallis, Winding Refn se emborrachó con su propia genialidad y es el autor único de la trama y los diálogos de esta película, la cual, hablando de la primera, podemos calificarla como simple, y en referencia a los mencionados diálogos, como torpes y pretenciosos.

Winding Refn vuelve a hacer mancuerna con su avatar delante de la cámara, Ryan Gosling, cuya ausencia del Festival de Cannes del 2013, donde debutó Only God Forgives, sugiere que Gosling anticipaba (y quizás compartía) la recepción negativa que el proyecto iba a recibir. Uno de los factores que quizás habrán contribuido al descontento de Gosling fue lo inexpresivo y aburrido que resulto plasmado su personaje, un entrenador de box/contrabandista de drogas americano llamado Julian; mientras que Gosling normalmente logra comunicar un montón de emociones únicamente con los ojos, así como permitirte a ti, espectador, plasmarte en el lienzo minimalista que han sido sus otros personajes, fuertes y callados (al estilo Gary Cooper), en Only God Forgives, Julian es prácticamente un zombi, un sonámbulo paseándose por el mundo de pesadilla de Winding Refn, un Bangkok de noche bañado en luces rojas de neón, un componente visual típico de Winding Refn; por aquellos tugurios y moteles deambula Julian, inexpresivo frente a sus desgracias, como viviendo dormido.

La historia es un ciclo de venganzas; el hermano de Julian es Billy (Tom Burke), su socio en la escuela de box, quién viola y asesina a una niña tailandesa. Eso provoca que el malvado Lt. Chang (Vithaya Pansringarm), denominado “El Ángel de la Venganza” por Winding Refn, le entregue al padre de la niña violada a Billy para que el progenitor haga lo que quiera con el asesino de su hija. Esto provoca que la madre de Julian y Billy, la traga-hombres Crystal, una irreconocible Kristin Scott-Thomas con pelo oxigenado, llegue a vengar a su hijo muerto, es despiadada y excéntrica, una villana al estilo de Albert Brooks en Drive, cuando se le informa que su hijo está muerto debido a que violó y asesinó a una niña, solo responde a secas: “seguramente tenía su motivo para hacerlo”, la excentricidad está ahí, pero desgraciadamente también lo está un guion acartonado y accidentalmente cómico. only-god-forgives-2

Kristin Scott-Thomas es genial con el poco material que tiene para trabajar, pero aparte de ella, no hay un elenco de increíbles actores llenando de vida a sus pequeños personajes, pintando el lienzo de la obra en un multicolor llamativo e interesante, no hay un Brooks, un Bryan Cranston, una Christina Hendricks, Ron Perlman, Oscar Issac, ni por supuesto, una Carey Mulligan; uno entiende como los grandes nombres no solo le dan valor de marketing al proyecto, pero la vida misma a la historia, y su ausencia, nos deja con personas uni-dimensionales. Ni siquiera el Lt. Chang, un personaje con un perverso sentido de justicia, que el mismo Winding Refn afirma es “el personaje de One Eye (de Valhalla Rising) que se mete en el conductor de Drive y luego se va a al comandante policiaco tailandés. Son el mismo personaje, interpretado por tres diferentes actores…una creatura mitológica que tiene un pasado misterioso y no se puede relacionar con la realidad porque es algo enaltecido”, para humanizar un poco a su “creatura mitológica enaltecida”, Winding Refn tiene al Lt. Chang cantando dulces baladas en un karaoke entre sus misiones de venganza sangrientas mientras sus subordinados en la policía se tienen que chutar sus melosas interpretaciones, realmente unas escenas abstractas que solo pretenden darle otra dimensión a este cuasi-robot sanguinario. Y terminando el karaoke, vuelve a la calle con su katana en mano, su arma preferida…y la usa bastante, sobre una que otra incauta extremidad del cuerpo humano.

Kristin Scott Thomas como Crystal

Kristin Scott Thomas como Crystal

Winding Refn ha mencionado en el pasado que es un “director fetichista”, que satisface sus gustos visuales y temáticos, y se ha debatido que queda poca consideración en su estilo para el público (y los críticos, pero complacer a este último grupo, realmente no le debería de importar a ningún director). Los fetiches visuales de Winding Refn no tienen reproche, Solo Dios Perdona es hermosa, fue retratada por Larry Smith, quien también fue el director cinematográfico en Eyes Wide Shut de Stanley Kubrick. Es cierto que se abusa un poco de las sombras, pero eso le añade un sabor siniestro a las escenas, aparte de que resalta los neones.

Only God Forgives no es incomprendida, sino incomprensible; un ejercicio en el cine de arte forzado y pretencioso. El simbolismo es pobre, o sea un hijo metiendo la mano en el vientre del cadáver de su madre? Pero aún con ésta, y con el Demonio Neón, seguiremos pendientes al trabajo de Nicolas Winding Refn.

1.5 / 5

Drive – – – Eighties revival

10 Oct

Eighties revival es lo que le llamo a esta corriente artística fuertemente influenciada por los gustos y tendencias de la década de los 80’s sin caer en parodia, ni tener que tomar lugar en esa decada, pero es claro que hay algo sobre el proyecto que le hace tributo a lo mejor de esa época. En este caso se trata de una película de acción con tomas en cámara lenta con música inspirada en la electrónica y synth-pop de aquellos tiempos que soprendentemente funcionan y evitan caer en los clichés normalmente relacionados con el género de acción de los 80’s. De la música, a la moda, a la tipografía en los promocionales, y especialmente un estilo de dirección que sobre-dramatiza los acontecimientos y los personajes.

A pesar de que no llega a romper esquemas ni presenta nada que no hallamos visto antes, Drive se siente como la película de acción más original de los últimos años y viene a refrescar un género donde los estándares eran proyectos de 90 minutos de efectos computarizados; Jason Statham brincando de un puente a un carro, de una moto a un carro, de un carro a otro carro y personajes directamente sacados de comics (literalmente). La producción apostó fuertemente por Ryan Gosling, en un papel que nunca había hecho, y el güero tuvo control sobre la elección del director y metió mucha mano en el script. El estelar es un personaje del cual nunca conocemos su nombre que trabaja como doble en películas de acción de día y es el conductor designado para robos y asaltos que requieren de un verdadero cirujano si en cuestiones de conducción se trata y que conoce la ciudad de Los Ángeles como la palma de su mano; estas cualidades las vemos ejemplificadas en la primera escena de acción donde El Conductor logra evadir con facilidad a esos omnipresentes helicópteros de la LAPD en pleno downtown; la mayor preocupación de El Conductor en esta escena es el seguir el partido de los Lakers en el radio; ciertamente, uno piensa, este tipo ha estado en una situación similar más de dos veces.

A diferencia de otros héroes de acción llenos de vigor y un seco sentido del humor, El Conductor es un personaje hermético que pronuncia su primer línea ya avanzada la película. A base de mucha insistencia por parte del destino se empieza a relacionar con su bonita vecina Irene (Carey Mulligan), su hijo Benicio (Kaden Leos) y el problemático esposo de Irene protagonizado por Oscar Isaac, reconocido como uno de los villanos en Sucker Punch. A partir de ahi el principal se embarca en una historia de quasi-venganza que incorpora algo de violencia al estilo A History Of Violence e Irréversible, una que otra persecución sin utilización de efectos CGI y escenas puntualizadas por música cool como esta:

Creo que parte de la frescura de la película viene por parte del director danés Nicolas Winding Refn que sin contar con experiencia en el género de acción, ni en Hollywood, entrega un punto de vista sobre el género que no es convencional. El director filma 100% en digital y como podemos ver este formato si es indiscutiblemente mejor que el celuloide, hay escenas inspiradas en el cine giallo italiano y en Brian DePalma que no le piden nada al Tecnicolor de la época. El director también pinta un Los Ángeles que es elegante a la distancia, pero como sucede en realidad: sucio, amarillento y escueto visto de cerca, los personajes se mueven entre talleres mecánicos, strip malls y departamentos. Por cierto, si a ud. le da un poco el aire a una película “Lynchiana”, no está equivocado pues el principal encargado de crear las texturas sonoras que le dan ese sentido desconcertante, “uncanny” (algo anda mal, pero no sabemos qué), a las películas de David Lynch es el mismo encargado de la musicalización en Drive: Angelo Badalamenti; en conjunto con el instrumentalista Cliff Martinez (ex-baterista de los Red Hot Chili Peppers, para los fans de la banda: si, ESE Cliff Martinez).

Creo que Drive va a ser bien recibida y recordada en los años por venir porque es de las pocas películas que gustarán a todos, a los que buscan acción, al público que busca algo artístico e incluso los hipsters estarán escuchando el soundtrack. La trama (adaptada de la novela epónima de James Sallis) no es espectacular, pero es el componente audiovisual lo que cautiva, y no estoy hablando de efectos especiales. Los únicos que me imagino terminarán decepcionados serán los que esperan ver Fast and Furious 6.

Nicolas Winding Refn ganó el premio a Mejor Director en el Festival de Cannes 2011.

4.2 / 5

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