Spotlight

23 Jan

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La película para los periodistas de toda una generación es posiblemente la película del año. Spotlight (2015) es la historia del grupo de investigación especializado del periódico Boston Globe y como descubrieron un patrón de casos de pederastia por parte de la arquidiócesis de Boston hace 15 años y los esfuerzos de la iglesia por encubrirlos; la primer pieza de investigación que después destaparía ésta casi pandemia a nivel mundial y que ha requerido del reconocimiento por parte del vaticano.

En esta película del escritor y director Tom McCarthy (The Wire), el estelar es el sistema con todo y sus procesos burocráticos. El equipo de actores es memorable, pero el guion de McCarthy y su co-escritor Josh Singer, no se detiene a analizar sus personajes o a vanagloriarlos como héroes. El elenco es comandado por Michael Keaton (Jackie Brown) como “Robby” Robinson, editor del grupo de investigación, y lo acompaña Rachel McAdams (To The Wonder) como Sacha Pfeiffer, una reportera con la calidez femenina necesaria para que antiguas víctimas de los padres pederastas divulguen sus peores experiencias; el reportero Mike Rezendes es interpretado por Mark Ruffalo (Eternal Sunshine of the Spotless Mind, Zodiac), quien nuevamente aparece como el técnico “pendejo, pero que sabe lo que está haciendo” y demuestra su pasión por andar tras la pista como buen sabueso; y finalmenteBrian d’Arcy James como Matt Carroll, el especialista en recabar la información de la investigación, y termina por completar el núcleo del equipo. A ellos se suma el nuevo editor en jefe Marty Baron, quien decide aventar al equipo Spotlight tras la iglesia y es interpretado por un sobrio y enigmático Liev Schreiber.

Un actor que nunca decepciona: Stanley Tucci como el abogado Michael Garabedian

Un actor que nunca decepciona: Stanley Tucci como el abogado Michael Garabedian

Es un elenco de reparto más que de estelares, McCarthy y su director de foto, Masanobu Takayanagi, prefieren retratar a sus personajes con tomas abiertas, remarcando el trabajo en equipo y el ajetreo de una verdadera oficina de prensa, con todo y espantosos muebles baratos y montones de documentos pendientes por revisar (esto en un mundo 2001 pre-digital). Los close-ups con la cámara son pocos y reservados principalmente al personaje misterioso del editor en jefe Baron para recalcar su aire enigmático.

A diferencia de otro clásico filme sobre el periodismo, All The President’s Men(1976), Spotlight no se centra en solo un par de reporteros ni en golpes de suerte; el equipo de reporteros corre, sufre, se retuerce en remordimiento y vive los júbilos con cada nuevo descubrimiento de una manera que a uno le dan ganas de pararse de su butaca y mejor ir a poner manos a la obra a algo más productivo.

El sufrimiento que se va descubriendo en las víctimas de la pederastia, o “sobrevivientes” como se hacen llamar (ya que los que no se refugian en el alcohol o en la aguja mejor deciden quitarse la vida), es desgarrador y es claro que McCarthy demuestra en Spotlight su más profundo respeto por el trabajo del periodismo cuando es practicado de una manera ética; algo que se pierde en nuestros días repletos de GIFS y listas de Buzzfeed. Al destapar los abusos de poder que han permanecido por décadas (o hasta siglos) McCarthy nos enseña que esta ocupación que muchas veces pasa desapercibida, realmente salva vidas.

Para la revista Indie Rocks!

5 / 5

The Godfather Part III

22 Jan

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El anticlimático final a la saga del Padrino proviene de dudosas motivaciones para el director y escritor Francis Ford Coppola, quien dijo que no hacía otra entrega a menos que tuviera la gran necesidad financiera para hacerlo. Recétale al director unos descalabros taquilleros en los ochenta y aparece en 1990 The Godfather Part III.

Finalmente se completa la tragedia de este hombre, Michael Corleone (Al Pacino), que Coppola había sugerido al final de Parte II; quizás un desenlace explícito que hubiera quedado mejor guardado en nuestras imaginaciones…pero nuevamente, esas necesidades financieras. Michael ha tratado de convertir los negocios de la familia a empresas legales que no manchen su reputación y su recuerdo, pero nuevas desgracias en este filme lo han obligado a regresar a las andadas. “Justo cuando pensé que estaba fuera, me vuelven a meter!”, exclama Pacino en una cita memorable (y bastante imitada). Su hijo, Anthony (Franc D’Ambrosio) se ha negado a involucrarse en sus negocios (los cuales el considera truculentos), por lo que Michael se muestra desilusionado con la falta de un heredero a su trono. La llegada del hijo ilegítimo de su hermano Sonny, el atrabancado Vincent (Andy García), quien posee el deseo por la violencia y una lealtad infaltable por el clan Corleone, motiva a Michael a tomarlo bajo su cuidado e irlo educando en las maquinaciones de su profesión. Sin embargo, al igual que Sonny, a Vincent le sobra en valentía lo que le falta en inteligencia…nada más recordemos como acabó Sonny, el hermano mayor.

Talia Shire con el director de cinematografía Gordon Willis

Talia Shire con el director de cinematografía Gordon Willis

Parte III lleva a los personajes, gracias a la pluma de Mario Puzo, hacia Roma y hacia el Vaticano; donde Michael busca legalizar los negocios de la familia de una vez por todas a través de unas truculentas negociaciones con International Immobialiare, empresa multinacional de bienes raíces de la cual al Vaticano le pertenece el 25%. Michael busca adquirir el control completo de la empresa ayudando al corrupto Arzobispo Gilday (Donal Donnelly) salir de la tremenda deuda de 600 millones de dólares en la cual tiene sumida a la iglesia. Tracalotas de este estilo se discuten en los silenciosos pasillos de Roma y de grandes palacios de la iglesia católica, entre personajes que irradian poder y corrupción.

Más cotidiano es su problema familiar cuando su hija Mary (Sofia Coppola en una deleznable actuación que terminó de tajo con su carrera como actriz) se ve atraída hacia su primo Vincent; lo que puede representar un escándalo para la familia y coloca a Mary muy cerca de la violencia, para la gran consternación de Michael. Connie (Talia Shire), la perdida hermana de Michael en Parte II, es ahora como su esposa postiza y controla asuntos cuando el patriarca se encuentra indispuesto; y su antigua esposa Kay (Diane Keaton) mantiene una relación cordial pero algo distante, principalmente como la madre de Anthony. Para cuando Anthony, quien ha decidido ser cantante de ópera, va a tener una presentación importante en Sicilia, todo el clan Corleone se va de viaje a atender el concierto; donde finalmente suceden los momentos climáticos del filme.

El Padrino Parte III no es una buena película, pero es disfrutable gracias a las otras dos partes, suena confuso lo se, pero a estar alturas de la saga yo lo que quería era disfrutar una última entrega, aunque no fuera de la mejor calidad, aparte uno utiliza lo que sabe de las otras dos (casi 6 horas de cine) para llenar algunos huecos en la narrativa de esta. Yo tuve muchos problemas con la música, pero muchos, extrañé el elegante soundtrack de Nino Rota durante Parte II que le daba un ambiente dramático al mundo entre sombras que Michael habitaba en su mansión de Lake Tahoe; esta vez Carmine Coppola, el padre del director, se hace cargo por completo de la música y tenemos un disonante conjunto de piezas que no encajan con las escenas, especialmente desagradable en las primeras tomas cuando Michael recibe el honor de Comandante de la Orden de San Sebastian por parte de la iglesia.

"El último Corleone", Vincent (Andy Garcia)

“El último Corleone”, Vincent (Andy Garcia)

La ausencia de Robert Duvall como Tom Hagen también es molesta (tuvo disputas salariales con el director). Metieron en su lugar a George Hamilton como su contador y asesor legal, de cuyo personaje el nombre no es importante porque claro que es un burdo reemplazo de Hagen. En la película, los personajes hablan de pasada sobre la muerte de Hagen, de una manera irrespetuosa para el personaje la verdad. Y claro que otra queja, pero ya hasta costumbre dentro de la serie, son esos doblajes del diálogo atroces, cuando audio y labios no encajan ni por un segundo.

Y el final, o sea el final de finales de la saga, un momento que se supone debe ser profundo termina siendo un poco inverosímil, por supuesto que hay naranjas en la escena. A final de cuentas, The Godfather Part III se siente innecesaria, y sus razones de existir salen a relucir; sin embargo tiene suficientes momentos de acción y suspenso que pueden ser del agrado de los seguidores del clan Corleone que lo tomarán en cuenta como un epílogo en la saga.

P.S. Aquí el enfrentamiento entre Vincent y el resbaloso de Joey Zasa (Joe Mantegna)

2.5 / 5

 

The Godfather Part II

6 Jan

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He visto la luz!, pero primero vi The Godfather y The Godfather Part II por segunda vez cada una en anticipación a la tercera parte que nunca había visto. Con confianza puedo afirmar que la segunda parte es fácilmente superior a las otras dos, todo un logro cuando Parte I por si sola es contendiente a una de las mejores películas de la historia. Pero Parte II tiene más textura, es más robusta, definitivamente al director Francis Ford Coppola le excitan los paisajes coloridos y cambiantes que le van dando vida a una trama de tres horas y media; tenemos desde el nuevo centro de comando de la familia Corleone en la orilla del plácido Lake Tahoe, a una Cuba tropical (en verdad escenas filmadas en Santo Domingo) al borde de la revolución; de las congestionadas calles de la Little Italy en Nueva York a principios del siglo XX a más escenas en la campiña italiana en Sicilia. Y hay dinamismo en los cambios de escenarios en esta gran obra no solo en espacio, pero también en tiempo, pues la trama retoma la saga de un Michael Corleone (Al Pacino) en los inicios de su reinado como el capo de la familia pero también vemos intercalada la historia de como un joven Vito Corleone (Robert DeNiro) llega a América y empieza a crecer su poder.

El desmoronamiento de Michael Corleone, desde un punto de vista moral, es especialmente trágico cuando se le compara, lado a lado, al porte y a la vida de su padre que tanto admiraba; el final de El Padrino Parte I nos hace pensar que quizás la impulsivilidad de Michael es debido a su juventud e inexperiencia mientras que con la edad llegará la sagacidad que su padre poseía. Pero conforme avanza El Padrino Parte II tristemente nos damos cuenta de que Don Michael y Don Vito son simplemente dos personas diferentes; a principios de siglo, en las calles de Nueva York, a un joven Vito lo motiva y empuja su familia, no hay nada que no esté dispuesto a hacer para sacar adelante a su esposa Carmela y a sus pequeños hijos; en cambio Michael, no es que no lo intente, pero su ambición es el poder, y está dispuesto a soslayar a su propia familia segun como él haya evaluado la situación.

Chécate este promocional de la época que se mostraba en el lobby de los cines.

Chécate este promocional de la época que se mostraba en el lobby de los cines.

Pacino es inexpresivo y frío como Michael, lo que acompaña muy bien a un trabajo de cámaras por parte del director de cinematografía Gordon Willis, el cual emplea un manejo de cámaras sobrío, sin mucho movimiento, y una iluminación que resalta la oscuridad de las escenas; derepente la residencia Corleone en Lake Tahoe, la cual conocemos al principio por medio de una gran fiesta en celebración de la comunión del primogénito Anthony, se convierte en un gélido lugar al que parece le han sacado toda la vida que alguna vez lo habitó. Es en esa residencia donde Michael sufre un atentado contra él y su familia y se desata una investigación por parte de la familia criminal para ver quien habría tenido la osadía de cometer semejante intransigencia, para recetarle su buena dosis de venganza Corleone. Sospechosos hay varios, incluidos capos y amistades dentro del círculo cercano de la familia. Uno de ellos es el viejo judío Hyman Roth, interpretado por el padre del method acting, Lee Strasberg, alguna vez maestro de Pacino. El personaje de Roth es claramente inspirado en el legendario gangster Meyer Lansky, un sabio lobo de mar tremendamente maquiavélico en sus decisiones. Roth pretende invitar a Michael a que sea su socio en algunos negocios en Cuba, pero la fachada amigable del viejito parece que solo es parte de su plan siniestro; por cierto lo asiste un tal Johnny Ola (Dominic Chianese, Uncle Junior en los Sopranos).

Una joven familia Corleone c. 1920

Una joven familia Corleone c. 1920

El Padrino Parte 2 es una de esas odiseas cinematográficas de cuando el cine de Estados Unidos estaba en su época de renacimiento durante los 70’s. Películas mamalonas de más de tres horas empezaban a ponerse de moda (como The Deer Hunter y Apocalypse Now); de hecho una sorpresa grata es toparte con un INTERMEDIO a mitad de un filme hoy en día, lo cual claro que no sucede a menos que estes viendo una de estas cintas antiguas que estamos mencionando. The Godfather Part II es enorme, complicada y se sale para todos lados; pero uno reconoce los halagos que Coppola ha recibido en haber sostenido con fuerza las riendas de este monstruo…es una película donde fácilmente mil cosas pudieron haber salido muy mal.

P.D. Ahora uno de mis clips preferidos, la excepcional actuación de John Cazale mostrando las debilidades de un torpe e inseguro Fredo Corleone, por medio de sus gestos, ademanes y posición corporal (hasta como batalla con esa silla) mientras el personaje supuestamente asegura que es fuerte e inteligente.

5 / 5

Greenberg

24 Dec

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Si piensas que siempre se pasan de lanza con los personajes de Ben Stiller, que sufren más de lo neceseario, entonces no has visto Greenberg, donde tenemos al Stiller más odioso, casi llegando a niveles Richard Dreyfuss. Es básicamente otra vez la temática de Le Misanthrope de Molière, sátira del siglo XVII sobre un querido excéntrico que se mofa del resto de la sociedad y sus preocupaciones superfluas (según él). Pero lo que tenía de simpático el personaje de Alceste le hace falta completamente a Roger (Stiller), un chavoruco acomplejado, fracasado, irascible, desapegado, que parece empedernido en soslayar cualquier muestra de afecto humano, característico de aquellos seres inferiores que no son parecidos a él. Pero claro que él solo es un soltero desempleado, que más o menos le da a la carpintería y que acaba de salir del hospital mental debido a un ataque de nervios, su vida no refleja el tremendo genio que cree poseer.

El director y escritor de cine independiente, Noah Baumbach (The Squid And The Whale, 2005) esconde la gravedad del panorama general de la vida bajo una secuencia de hechos aparentemente intrascendentes y casuales. John Lennon dijo (o más bien cantó): “la vida es aquello que sucede mientras estás haciendo otros planes”; y es así como la película es un pedacito de la vida de Roger Greenberg, donde trata de construir una casa para el perro de su hermano, tiene un “romance”, o mejor dicho encuentro fortuito, con Florence (Greta Gerwig), se toma su medicina, va de compras y le manda cartas de reclamo a empresas que nunca le van a contestar. Parece que no sucede nada, pero de repente ahí está, pegándole a los cincuenta años, sin oficio ni beneficio y arrepintiéndose de sus oportunidades perdidas. Roger Greenberg sale del hospital y dice que “no quiere hacer nada por un rato”, pero eso parece ser lo que ha estado haciendo toda su vida.

La bella y casual Greta Gerwig

La bella y casual Greta Gerwig

Los Ángeles, es nuevamente, un personaje más importante de lo que uno podría suponer a primera vista (más sobre este tema específico, aquí); el modo de vida y la geografía de la ciudad dictan en buena parte la manera en como estos personajes se desenvuelven. No es coincidencia el que Baumbach acomode a un neoyorquino como Greenberg, que como buen estereotipo no sabe manejar pues nunca lo ha necesitado, en una ciudad donde no saber manejar (o no tener carro) es como no tener piernas; volviéndolo aún más retraído de lo que es, e irónicamente, dependiente de otras personas para que lo lleven a otros lugares…su idea de “me voy caminando” a su casa, de inmediato le es ridícula a Florence, que le comenta que es algo como una distancia de diez kilómetros. La película tiene esa casualidad y letargo de una asoleada tarde en Los Ángeles cuando no hay nada que hacer, que va de acuerdo a el laissez-faire en general de la vida de Greenberg.

El personaje de Greenberg es odioso, pero eso no quiere decir que la actuación de Ben Stiller sea algo reprochable, de hecho todo lo contrario, hablábamos de varios sentimientos de ira, pena, miedo, una extraña convicción por tratar de ser diferente, como cuando decide irse con su sobrina a Australia al día siguiente (solo para arrepentirse camino al aeropuerto), así como el sentimiento de culpa; aquella que lo aqueja desde que saboteó la única oportunidad que tuvo con su grupo musical hace 15 años, un contrato de grabación, y que ahora repercute en la también patética vida de su mejor amigo Ivan Schrank (Rhys Ifans). Stiller maneja todos estos sentimientos en un personaje que aparte trata de ser inexpresivo, el trabajo del actor es magnífico, acomodando en un limitado rango de comportamiento los varios estados de ánimo de un hombre complejo. Pero personalmente sigo admirando aún más el trabajo de Greta Gerwig, a quién vimos en Eden hace poco, esta vez tuve oportunidad de apreciar su trabajo plasmado en un personaje más relevante, con más presencia en la pantalla, y me sigue impresionando su técnica casi invisible para actuar; Florence es una mujer semi-atractiva, joven, algo inteligente, no se podría llamar insegura, ni le falta asertividad, tiene un gusto por el canto, es algo digna, pero tierna, amable y sincera; es tan difícil describirla, gracias a la interpretación de Gerwig; Florence es tal como lo es una persona de verdad, que creo es de lo mejor que uno puede decir sobre una interpretación histriónica.

Greenberg es una película coming of age para adultos, con un guion bien trabajado y gracioso y actuaciones muy bien logradas; sin embargo el mismo sentido austero de la historia y la producción le prohíbe colarse dentro del estrato de aquellas grandes películas que nos dejan marcados de una manera más significativa…eh, yo creo que ni siquiera llegarle al nivel de otra reinterpretación del querido misántropo de Molière, Alceste à Bicyclettepelícula francesa donde la explosividad en actuaciones y paisajes se presta para una experiencia cinéfila más arrebatadora. Sin embargo Greenberg es una buena película de cine indie, que aunque fracasó en taquilla, puede quedar en los recuerdos preciados de algunas personas con gustos alternativos…a quien les agradará saber que el soundtrack estuvo a cargo de James Murphy de LCD Soundsystem.

3 / 5

The Godfather

23 Dec

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“Yo creo en América”, son las primeras palabras de esta película, pronunciadas por Amérigo Bonasera, un sumiso señor de edad avanzada que ha acudido con Don Vito Corleone (Marlon Brando) para buscar hacer justicia por fuera del marco de la ley. Paradójicamente, El Padrino, es sobre un joven Michael Corleone (Al Pacino), que contrario a lo que reza el sueño americano, donde cualquier inmigrante puede convertirse en lo que quiera en estas tierras del Nuevo Mundo, el joven no puede escaparse de la naturaleza violenta de su familia, los Corleone, a pesar de que en un principio intenta mantenerse al margen de los negocios truculentos de sus seres queridos, “yo no soy mi familia Kay”, le dice a su prometida, interpretada por Diane Keaton; pero vaya que si es él, siempre fue él; el ascenso, o descenso (como lo quieras ver) de un joven profesionista, condecorado por el ejército, hacia el mundo del crimen es una parábola literaria con tintes de Shakespeare que se extiende hasta el resto de la trilogía de El Padrino; una verdadera tragedia.

Se dice que esta película es uno de los clásicos del cine norteamericano porque elevó los estándares de producción hacia nuevas alturas, el director Francis Ford Coppola, trabajando con un presupuesto limitado y con un montón de haters oponiéndose a cada una de sus decisiones, le dio un realismo inusitado a las producciones de Hollywood de aquel entonces. La escena de la boda al principio es un buen ejemplo de esto, Don Vito le regala una opulenta boda a su hija Connie Corleone (Talia Shire, la hermana del director) donde la escena casi se sale de la pantalla por la abundancia de vida, de color, de alegría, cual auténtico festejo italiano; Coppola y el productor Albert Ruddy utilizaron a verdaderos residentes de Long Island con sangre italiana para que bailaran y cantaran en la boda, lo que le da una euforia natural al convivio y en parte contrasta con las sombras y lo lúgubre del interior de la oficina de Don Vito, quien sigue atendiendo negocios durante la boda. Tampoco hay que decir que todo fue filmado de una manera completamente orgánica y natural, he tratado de distinguir cuales de aquellas escenas soleadas realmente fueron filmadas de noche utilizando iluminación artificial; sin tener éxito.

Michael Corleone

Michael Corleone

La película estrenada en 1972 está ambientada en el periodo posguerra de 1945 y termina en 1955, aparte de que el equipo de producción se dio el lujo de irse a filmar a Sicilia, cuando el joven Michael quiere esconderse un rato de los dilemas familiares, y así como Coppola y su director de foto Gordon Willis, saben retratar el cosmopolita Manhattan pos-guerra, también lo saben hacer con la serena campiña siciliana. Uno de los grandes aciertos que distingue a The Godfather es su capacidad para sumergirte en el tiempo y en el espacio que tiene preparado para ti. Aparte, hoy en día es bastante común disfrutar de una buena historia de gangsters ya sea en una película o una serie; pero El Padrino fue la primera vez que se le dejó al público echar un vistazo al mundo de la mafia, algo breve y temporal claro, ejemplificado perfectamente en esa última escena con Diane Keaton.

Brando es dramático y se siente real al mismo tiempo, para darnos una idea, verdaderos capos de la mafia de aquel entonces empezaron a comportarse como el personaje de Brando; lo que quiere decir que no lo estaban haciendo antes y encontraron en algunos de los gestos de Don Vito la teatralidad que les hacía falta; Don Vito es un hombre amenazador pero que ha visto sus mejores tiempos y que ahora ha sido atenuado por la templanza de la sabiduría…más tarde veríamos a un Vito en su juventud en The Godfather II (interpretado por Robert DeNiro); Don Vito ya en una edad avanzada sabe que no necesita ser explícito con su violencia, sino solo dejarla asomarse como una amenaza, el resto de su reputación la hará válida entre la gente común. Inicialmente Don Vito tiene planes para que su hijo mayor, el temperamental Sonny (interpretado por James Caan), pueda tomar las riendas de la familia una vez que él haya pasado a mejor vida, pero Sonny es demasiado irascible, impulsivo…en una palabra, lo que nosotros, el público y su familia, estamos pensando: pendejo, pues. Ni siquiera con el apoyo del consigliere de la familia (aquel que se dedica a aconsejar al clan), el hijo adoptado, Tom Hagen, puede mantenerlo fuera de problemas. En el papel de Hagen se encuentra un Robert Duvall quizás en su mejor momento, algunos años antes de que anunciara que le “gusta el olor de Napalm por las mañanas”; exageradamente calmado, para un hombre que decapita caballos de carreras en las madrugadas; nos recuerda mucho a Don Vito, un hombre de pocas palabras, pero bien pensadas, y que puede recurrir a la violencia si es necesario. Nuevamente Coppola no enseña la violencia sino más bien la convierte en una amenaza.

Robert Duvall como Tom Hagen

Robert Duvall como Tom Hagen

Pero algo le falta a Hagen, es demasiado pragmático, “no eres un consigliere para los tiempos de guerra” le dice Michael Corleone cuando lo destituye; Michael es el punto medio entre Sonny y Hagen; inteligente, práctico, pero con un gusto por recurrir primero a la violencia, antes que nada. Mucho se ha hablado del calibre de la interpretación de Pacino, pero personalmente siento que le falta expandir su rango humanista, desde el principio uno puede ver que ese chico de plano no está bien, quizás son los enormes ojos negros que desconciertan, o su falta de expresividad; simplemente me hubiera gustado un Pacino más sensible al principio, tipo que dejara intensidad para después, se supone que las desgracias hacia su familia lo irían transformando.

Un trabajo bien enfocado por parte de Coppola, bajo presiones de la producción, algo mejor que incluso cuando tuvo más libertades creativas como en Apocalypse Now. The Godfather cuenta con ese estatus legendario porque fue un enorme éxito comercial, al mismo tiempo que un verdadero triunfo artístico, una combinación rara no solo en el cine, sino en la música y en cualquier otro arte; el mejor rara vez es el que más vende. La adaptación del libro de Mario Puzo fue un acierto en cada uno de sus componentes, desde la ambientación, el soundtrack, personajes menores como el de John Cazale y edición; permanece como uno de los triunfos indiscutibles del cine mundial.

P.S. En esta escena Michael Corleone (Pacino) llega a Las Vegas a conquistar el mundo ilegal de esta nueva y creciente ciudad, tomándolo del gangster local Moe Greene. Michael acude personalmente ya que se hermano, Fredo (John Cazale), ha sido inútil en esta encomienda.

4.8 / 5

Steve Jobs

7 Dec

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Pocos días antes de irnos al Festival Internacional de Cine de los Cabos, fui a platicar con su director general Alonso Aguilar. Él ya estaba hablando de esta película, y cuando nos lo volvimos a encontrar en el evento, mencionaba los detalles de la próxima gala de clausura, finalmente confesando: “Ya tengo muchas ganas de que la vean”. Llegó el día, terminó la gala, y me quedé con la impresión de que no había exageraciones en las expectativas de Aguilar. Steve Jobs, película dirigida por Danny Boyle, es todo lo que uno esperaba de un guion de Aaron Sorkin.

Quizá faltaría una advertencia al inicio de la función al estilo American Hustle, que leyera: “Algunos de estos hechos sí sucedieron”. Si alcanzaste a seguir aunque sea con mediano interés las trifulcas después de The Social Network—especialmente instigadas Mark Zuckerberg—, entonces recordarás que Sorkin es la definición encarnada de “libertades creativas”. Sorkin incluso pudo platicar con todos los personajes de esta trama (menos Jobs obviamente); el cofundador de Apple, Steve “Woz” Wozniak (Seth Rogen); la mano derecha de Jobs por casi toda su carrera y directora de marketing,Joanna Hoffman (Kate Winslet); el CEO de Apple y figura paterna, John Scully (Jeff Daniels); el científico en informática, Andy Hertzfeld (Michael Stuhlbarg);  la hija que solía desconocer, Lisa Brennan-Jobs (Perla Haney-Jardine, y otras dos actrices, por cuestión de edades); así como la madre de Lisa, Chrisann Brennan (Katherine Waterston). Pero a razón de lo que algunas de estas personas y otros íntimos de Jobs han comentado en entrevistas, Sorkin se pasó sus testimoniales por donde quiso.

El filme se divide en tres partes, cada una condensando un periodo de la vida de Jobs dentro de un día crucial, en el que lanza un producto parteaguas para su carrera: parte 1, filmada en 16mm, muestra el lanzamiento de la Apple Macintosh en 1984; parte 2, filmada en 35 mm, muestra el lanzamiento de la NeXT Computer en 1988, con su nueva compañía después de que lo sacaron de Apple; parte 3, filmada digitalmente, nos lleva a 1998, durante el lanzamiento de la primera iMac, y versión final de Steve Jobs, un maestro místico de Silicon Valley con anteojos, cuellos de tortuga negros, dad jeans y tenis. Y a partir de su regreso a Apple, todo fue miel sobre hojuelas —excepto el cáncer—, así que no hubo interés en filmar esa parte.

Stuhlbarg a la izquierda y Winslet a la derecha con un Fassbender que no se parece nada a Jobs.

Stuhlbarg a la izquierda y Winslet a la derecha con un Fassbender que no se parece nada a Jobs.

Michael Fassbender no se parece físicamente en nada a Steve Jobs, a excepción quizás de esa última etapa. Pero en la calmada obsesión de su personaje hace entrega de lo que (algunos) dicen era como el verdadero Jobs; un huérfano hambriento por tener el control que le faltó en los primeros días de su vida. Ni Sorkin ni Fassbender glorifican al empresario, quien por momentos puede parecer como el cabrón más desalmado, incluso con su hija de cinco años, a quién le dice tajantemente que no, la computadora LISA no fue nombrada por ella (sí lo fue).

Tras bambalinas todo sucede en cuestión de segundos, y el ritmo del director Boyle —acostumbrado al más puro frenesí cinematográfico— no decae ni por un momento. De igual manera, es la vida de Jobs condensada en unas dos horas, así como Sorkin condensó su personalidad en tres eventos de su vida, dejando de lado los momentos alivianados del emprendedor, como dijo “Woz” en entrevista para Bloomberg. Es del interés de Sorkin y Boyle dramatizar cada segundo la existencia de su sujeto, dándole un mayor sentido de trascendencia a su propio trabajo. ¿Un Jobs simplemente echándose unas cheves? No lo creo.

La película es el análisis de un genio que, como varios han señalado, no diseñaba y no programaba. Pero como Jobs decía, él no tocaba un instrumento, él era el director de la orquesta. ¿Será que en nuestro mundo moderno, nuestros genios ya no son “hombres de renacimiento” como lo era antes un Da Vinci, sino son solo personas realmente perseverantes?  Tú échale  un ojo a este triunfo en cuanto a producción, imágen y actuaciones y llega a tu propia conclusión.

Para la revista Indie Rocks!

4 / 5

Racing Extinction

6 Dec

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El momento de reflexión ecológica llegó al Festival Internacional de Cine de Los Cabos con el documental Racing Extinction, un trabajo del ganador del Óscar, Louie Psihoyos, cuyo trabajo previo, The Cove (2009), le dio buena cobertura mediática a la nefasta práctica japonesa de la caza de delfines. Esta vez, Psihoyos aboga por la raza animal en general, de hecho incluye a microorganismos y cualquier tipo de vida que puede perecer al corto y mediano plazo gracias a los hábitos destructivos del hombre.

Psihoyos armó un equipo que se infiltra en los mercados negros del mundo, donde se comercializa todo tipo de especies en peligro de extinción, tales como mercados asiáticos, donde se venden aletas de tiburón para cuestiones culinarias, o branquias de mantarrayas para tratamientos curativos; observamos la sangrienta caza de estos animales —y otros como el elefante, los monos y algunas aves— y nos horrorizamos con las prácticas barbáricas de algunas de estas comunidades, en estos lugares del mundo donde la masacre de animales es básicamente su sustento.

Lo efectivo de Racing Extinction es cómo Psihoyos nos dice: sí, aquellos son unos bárbaros, pero esa es la mano directa del hombre –es aún más devastadora su influencia indirecta en la extinción de miles de especies (puede que 50 % de las especies del mundo se extingan en los próximos 200 años)–; los países “desarrollados” del occidente han reestructurado la acidez y temperatura de los océanos gracias a sus enormes emisiones de dióxido de carbono y metano por medio de sus industrias y patrones de consumo. Los cambios a los océanos resultan en el famoso cambio climático, que como se sabe, está forzando a la extinción a otras varias miles de especies. racing extinction 2

Un panorama bastante pesimista, pero como es costumbre en estos documentales ecológicos, tales como An Inconvenient Truth de Al Gore, Psihoyos nos despide con un sentimiento de esperanza, inspirándonos a actuar antes de que sea muy tarde. Psihoyos conjunta a un buen número de artistas, científicos y especialistas en técnicas de proyección, para llevar a cabo lo que se puede calificar como una activación gigante, plasmando sobre los edificios principales de algunas de las ciudades más grandes del mundo los mensajes e imágenes necesarios para concientizar a la gente, especialmente a los niños, sobre los pequeños hábitos personales que pueden salvar o condenar a los animales del mundo. Como lo dice el mismo director: “Una sola persona sí puede hacer una diferencia”.

Para la revista Indie Rocks!

3 / 5

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