Me Estás Matando Susana

19 Sep

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Ah, el amor. Gael García Bernal, en su papel más fresco, más enternecedor que pueda yo recordar, y si me apuran, creo que el único en que me ha caído bien, interpreta en carne viva lo que muchos hombres sabemos…que el enamorarte perdidamente de una mujer puede ser el mismísimo infierno sobre la tierra. Aquel amor profundo y verdadero que uno puede sentir por una cara bonita, una actitud, una cierta manera en desde cómo te habla hasta como te mira de reojo, una manera de caminar, de ponerse los zapatos, de suspirar, y también, claro está (y como lo asevera Eligio, el personaje de Gael), unas buenas nalgas (no unas cualquiera, las de tu mujer), te pueden inspirar a embarcarte en una secuencia de decisiones pendejas que pueden llevarte a la auto-destrucción.

Es un filme dirigido por Roberto Sneider, un excelente director que no se cual sea su verdadero sustento en la vida, pero se da el lujo de dirigir un largometraje algo así como cada ocho años. Dedicado a las adaptaciones, en este caso la novela Ciudades Perdidas de José Agustín, libro de 1982, después de haber tenido un moderado éxito con la crítica en otras adaptaciones, Dos Crímenes de Ibargüengoitia y Arráncame La Vida de Mastretta, en este caso Sneider hace un buen trabajo por medio de un manejo de cámaras soberbio, un ritmo movido sin ser frenético, y generalmente un estilo desenfadado que le viene muy bien al género cómico.

Echegui y García Bernal. Susana y Eligio

Echegui y García Bernal. Susana y Eligio

Gaél es el típico yuppie mexicano; vale madres, machista, semi-educado, pedote (claro). Tiene un lado artístico ya que es un actor de media monta, y realiza algunos comerciales y novelas para seguir practicando su pasión por el teatro. Vive en una colonia bohemia de la Ciudad de México con la dichosa Susana en cuestión (Verónica Echegui), que es su guapa esposa, de origen español. Casi es una costumbre de Eligio la de manejar por las noches medio borracho, volándose cual alto se le antoje, entrar sigilosamente al departamento, desvestirse cuidadosamente para no despertar a Susana, utilizar buena técnica para posar las llaves silenciosamente sobre la cómoda (cada quién tiene su estilo), para después asomarse de un lado de la cama para constatar que está dormida (no lo está), y finalmente hace un bailecito patético a su lado del colchón y acostarse…al día siguiente, Susana ha dejado el apartamento, paradero desconocido.

He leído reseñas diciendo que Susana lo deja “inexplicablemente”…pero nooooo mis amigos. Sneider, en alrededor de 20 segundos, explica EXACTAMENTE porque lo está dejando…porque está hasta la madre de este bohemio hipstersín tan falto de ambiciones, pero repleto de egoísmo y cotidianeidad (algo, que muchos sabrán, le caga a las mujeres). Con un simple manejo de cámaras, de timing, Sneider nos resume (sin albur) en 20 segundos lo que ha llevado a Susana a aborrecer a este intento de esposo. Sneider es eficiente, nos ahorra meses, quizás años, de una desilusión marital que no merece aparecer en una comedia.

Una escena desconcertante es ver a Eligio exitándose por ver a Susana con otro, WTF con eso.

Una escena desconcertante es ver a Eligio exitándose por ver a Susana con otro, WTF con eso.

A partir de ahí viene lo gracioso (para el público, pero una verdadera pesadilla para Eligio). Pues después de conferir con sus queridos amigos a las afueras de una taquería (su punto de reunión), Eligio decide ir tras Susana, quién resulta estar en el nada apetecible estado norteamericano de Idaho, estudiando un curso de literatura. Eligio pide prestados $50,000 pesos para ir tras su esposa (quién ya tiene nuevo amante en la universidad, un poeta polaco bohemio), y será el primero de varios sacrificios que tendrá que cometer al luchar por una esposa que se muestra en el mejor de los casos, indiferente a la situación.

El guion es gracioso en resaltar sin pretensiones algunos comentarios sociales, que también aderezan un poco el humor de la película, como el pedote que le hacen unos agentes TSA norteamericanos a Eligio en el aeropuerto de Idaho por ser mexicano, agentes que se creen unos verdaderos cancerberos de las puertas al mismísimo paraíso, escena siguiente Eligio va admirando un paisaje bastante pinche de unas granjas en Idaho; nuevamente es Sneider, junto con su director de foto Antonio Calvache, el que marca una buena pauta para que se desarrolle la comedia a través de una breve selección de escenas y de cortes en la edición.

Eligio se reencuentra con Susana, mantienen una breve luna de miel 2.0 en ese campus de aquel colegio en Idaho antes de que caigan en las mismas costumbres de antes, principalmente Eligio saliéndose a beber con “sus amigotes”, en este caso un conjunto de sudamericanos y gringos a quién el carismático Eligio los atrae fácilmente para que le sigan la juerga. Cierta noche, regresando al dormitorio estudiantil, Eligio hace el acostumbrado bailecito antes de irse a la cama…a la siguiente mañana Susana ya no está nuevamente, ha continuado con la fuga.

Entre los nuevos amigos de Eligio está una dulce güerita llamada Irene (Ashley Hinshaw), quién muy a su manera le trata de comunicar a Eligio su interés romántico, pero él está muy ocupado con los juegos de tortura sentimental con Susana. Cabe mencionar que un punto flaco de la película es Verónica Echégui contra García Bernal en las escenas que comparten juntos, mientras Gaél acapara cada segundo de la pantalla donde aparece, Echégui tiene la presencia de engrudo hasta en sus escenas más dramáticas…no es una Cameron Diaz en Something About Mary, por ejemplo, lo que uno comprende en un segundo porqué trae a varios varones locos por ella, en el caso de Echégui uno piensa para que molestarse siquiera…si está buenona, pero eso no basta.

Es una buena comedia que se disfruta particularmente en la sala de cine, donde se puede aprovechar la oportunidad de recoger diferente reacciones de parte del público acompañante, lo que siempre resulta más gracioso, el contagio de humor propiciado por carcajadas ajenas.

4 / 5

Julieta

4 Sep

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El vigésimo filme del director manchego Pedro Almodóvar lo encuentra regresando al melodrama femenino después de pasar por una muy cuestionable incursión dentro de la comedia en Los Amantes Pasajeros. Y es que Almodóvar tiene un talento tan singular para construir personajes femeninos complejos y cautivantes a través de sus guiones, sin quitarle merito a su harem de actrices talentosas que han encarnado esos difíciles papeles apasionadamente de tal manera que han ayudado a Almodóvar a labrar un trayecto cinematográfico único en Iberoamérica y ellas mismas han logrado despuntar después de trabajar con el español.

Julieta, una mujer de edad media, interpretada por Emma Suárez, está a punto de irse a Portugal con su novio Lorenzo (Darío Grandinetti), sin embargo se arrepiente y prefiere quedarse en Madrid después de toparse con Bea (Michelle Jenner), vieja amiga de Antía, su hija. Nos vamos dando cuenta que Julieta no ha visto a su hija en años, es un tema muy delicado para ella y la manda en un mini-pánico cuando le entra en la cabeza, tanto como para no ir a Portugal, romper con su novio Lorenzo y mudarse a un pequeño apartamento donde años atrás vivía con Antía…quizás a sabiendas que es el único lugar donde su hija la puede encontrar de nuevo.

Julieta en los 80's

Julieta en los 80’s

La historia está basada en el cuento Runaway de Alice Munro, reconocida escritora canadiense, ganadora del Premio Nobel por un estilo de escritura interesante que juega con los tiempos cronológicos de sus historias, alternando entre el presente y el pasado. Algo así sucede en Julieta, cuando la protagonista se va y se encierra en el antiguo apartamento, empieza a redactar un diario para Antía, donde le cuenta como conoció a su padre Xoan (Daniel Grao), y a partir de ahí se viene un larguísimo flashback que abarca desde los ochentas, a la noche en un tren donde Julieta y Xoan se conocen, pasando por la infancia de Antía, su adolescencia, hasta la partida de la hija. Para esta parte entra en escena como Julieta: Adriana Ugarte, quien encarna a la versión más joven de la principal; Almodóvar hace el switch de las actrices, que para empezar ni se parecen físicamente, a mitad de una escena mientras Antía le seca el pelo a su joven mamá (Ugarte), cuando quita la toalla aparece Suárez como su madre madura, un gesto cinematográfico magnífico por parte del director, que sin embargo ha sido criticado por algunas personas, quienes también tuvieron problemas con el poco parecido entre Ugarte y Suárez; el personaje femenino que Almodóvar ha inventado es más complejo y profundo que ciertas fijaciones físicas superficiales, aparte en lo personal me ayudó a recordar como todos podemos tener diferentes versiones de nosotros mismos durante épocas diferentes de nuestras vidas que hasta el “yo” de hace 15 años parece ser una persona completamente diferente…aparte de que el maquillaje para una sola actriz, de haber interpretado a Julieta durante toda la historia, hubiera sido una hueva y a final de cuentas un factor de distracción.

Finalmente regresamos al presente con Emma Suárez, y su personaje Julieta sale finalmente en busca de Antía, con Almodóvar dándose algunas libertades artísticas, incluidas algunas referencias al género del film noir gracias a la musicalización de Alberto Iglesias, que se torna un poco siniestra, recordando a trabajos de Hitchcock por momentos. El desenlace puede que no sea completo y satisfactorio para los que les gusta cerrar los círculos narrativos, pero quedará en su memoria otra magistral dirección Almodóvar, unas soberbias actuaciones de Suárez y Ugarte, y una buena dosis de ese complejo drama femenino que Almodóvar siempre ha entendido a la perfección.

3.5 / 5

Teenage Mutant Ninja Turtles: Out Of The Shadows

13 Aug

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Que podemos decir, son las tortugas…presentadas por Michael Bay. No vi la primera entrega pero no creo que me haya perdido de mucho, tengo una severa reacción alérgica hacia los trabajos de Michael Bay, y a esta película me llevaron, así que eso me condiciona tremendamente al momento de decir que esta película apesta. Mínimo puedo aseverar de manera objetiva que no es El Secreto Del Ooze, que tal si mejor quedamos así?. Pero cowabunga dude! si quieres una película frenética para llevar a tu hijo o sobrino hiperactivo, esta es para ti, repleta de chistes sosos (la mayoría a expensas de Michelangelo, digo, Mikey…aquel nombre difícil ha sido adaptado para los millenials), explosiones y efectos computarizados hasta por donde quieras. Las mismísimas tortugas también vienen a representar la filosofía de Bay: “más es mejor”, y aparecen bien ponchadas y musculosas, asemejándose más a los transformers del productor Bay que a los personajes originales de los cómics o la caricatura de los 80’s. tortugas ninja 2

En medio del caos creo que había algo de trama, que involucraba a Krang, una creación computarizada que consistía en un cerebro (con la voz en inglés de Brad Garret) adentro del cuerpo de un robot, y su empleado/socio Destructor (nunca he entendido del todo que relación tienen), y el único punto a favor de ver la película en español es para escuchar nuevamente la voz de Krang decir: “Destructoooooor”. Destructor (Brian Tee) es liberado de la cárcel junto con Bebop (Gary Anthony Williams) y Rocksteady (el luchador “Sheamus”) para unirse a los planes de Krang en conquistar el mundo. Naturalmente las tortugas, junto con Splinter y la reportera April O’Neil (Megan Fox), saldrán a combatir a los villanos, ayudados también por la celebridad Vern Fenwick (el siempre simpático Will Arnett, de los únicos puntos positivos del filme) y el anti-héroe obsesionado con el hockey Casey Jones (Stephen Amell). Los escritores Josh Appelbaum y André Nemec entonces exprimen a la trama con física cuántica, hoyos negros y otras dimensiones, de manera que un guion infantil se tiene que desquitar en medio de un entorno tremendamente ridículo. Pero no piensen que Appelbaum y Nemec no tienen el talento para introducir de manera sutil las temáticas que son necesarias, chequen el dato como se las arreglan para que Megan Fox termine en disfraz de colegiala (es broma…y la escena fue burda).

April O'Neil de colegiala y Casey Jones

April O’Neil de colegiala y Casey Jones

Adiós queridas tortugas, ya han sido “Baysiadas”, que por cierto ni dirigió esta basura, fue Dave Green (Earth To Echo). Ey, pero hubo algunos momentos que tomé de manera positiva durante la experiencia que fue ir a ver Tortugas Ninja 2: Fuera De Las Sombras, cuando las tortugas se agüitan porque las personas les llaman monstruos, gritó un niño en el cine “no son monstos”, así que si esta bazofia del cine le da alegría a los chiquitines, que importa lo demás, o no?…de todos modos apesta.

0.5 / 5

Yo

11 Aug

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El tercer largometraje de Matías Meyer (Los Últimos Cristeros) es una adaptación del cuento Yo de Jean-Marie Le Clézio, y que ganó el premio a mejor película dentro de la Selección Oficial del Festival Internacional de Cine de Morelia. Es un filme del reconocido género contemplativo mexicano, con planos secuencia de paisajes naturales, así como con la utilización de actores no profesionales; lo que le da un sabor muy característico del cine mexicano independiente de los 2010’s. De hecho demasiado característico, nuevamente estamos en medio de una serie de planos lentos, de una vida cotidiana en la parte rural del Valle de México sencilla y aburrida, sin ningún tipo de ensalzamiento visual por parte de los cineastas, ya te la sabes, pastizales meciéndose en el viento y arroyos corriendo. Y así hemos estado por casi 15 años, siempre o es esta madre o es la “cruda realidad” de la ciudad.

Yo es el nombre, o apodo, del personaje principal (lo cual resulta medio confuso en español, no tanto en francés), así le dicen todos. Es un chico de 15 años sobre-desarrollado físicamente, pero limitado en cuanto a inteligencia se refiere. Algo así como un niño en un cuerpo de un hombre. “Un tipo de Frankenstein”, ha dicho el mismo Meyer para Cine Premier; un ser inocente con impulso para la violencia. SE SUPONE que que Yo es un ser amenazante y violento en el exterior, pero dulce e inocente en el interior. Caigo en la cuenta de que no conecté mucho con esta película porque esa amenaza, fuerza, insinuación de violencia, nunca llegó por parte del personaje Yo; si hay algunas escenas que me imagino fueron filmadas con ese fin: el chico rompiendo un cinturón con los brazos a insistencia de sus compañeros de trabajo, su madre contando como una vez el chico se puso violento, la empujó y ella sangró; escenas que se supone nos muestran la capacidad violenta que se esconde debajo del muchacho, pero la actuación del joven Raúl Silva es tan blanda y Meyer no les da el peso necesario para que resalten…la tendencia latente hacia la violencia que posee el chico es importante para entender el final, pero por las razones que cito, es difícil hacer esa conexión.

Elena y Yo

Elena y Yo

Yo pasa sus días ayudando a su madre (Elizabeth Mendoza) en la administración de un humilde restaurante a la orilla de una de las carreteras que van hacia la CDMX. Generalmente mata y despluma a las gallinas para que su madre haga algún platillo con ellas. De vez en cuando acude a visitarlos el amante de su madre, un hombre a quién Yo le guarda resentimiento. La predilección de Meyer por los actores no-profesionales puede ser del agrado de algunos asiduos al cine, pero que deja espacios vacíos en la actuación de personajes prominentes como la de Silva en el papel del protagónico. La indiferencia ante la mayoría de emociones que lo enfrentan en su vida diaria nos deja al final con un personaje tan difícil de descifrar como lo era al principio del filme. Sus pensamientos (los cuales podemos “escuchar”) no resuelven en lo más mínimo este conflicto…Yo, quién aparenta una inteligencia emocional todavía menor a sus 15 años, se avienta unos monólogos internos dignos de un poeta/filósofo desempleado, creando gran discrepancia entre la actuación del muchacho y la supuesta manera en como piensa, al parecer básicamente un descuido al momento de escribir el guion en no compaginar la manera de expresarse del personaje con las palabras que pasan por su mente…o quizás fue intencional, un ejemplo de como la belleza se esconde dentro de la fealdad, el ángel que yace en las entrañas del ogro, etc…pero dicen que muchas veces la explicación más sencilla es la correcta.

En su vida se aparece la pequeña Elena de 11 años, una niña con la que comparte algunos momentos amistosos alado del arroyo o comiendo dulces. Como lo ha mencionado el director y se puede ver incluso en el poster promocional, donde la imagen de la niña, tipo caperucita, lleva al ogro/muchacho hacia algún lugar feliz, es una relación de suma importancia, con tintes hasta fantasiosos, que debemos de suponer tiene un impacto duradero en la vida de Yo, ha comentado el director en entrevistas. Sin embargo, nuevamente, en pantalla esto no trasciende, son algunos momentos equis compartidos por dos niños en un periodo de solo unos días. Lo que si hay es una incomodidad latente al ver al chico grandulón con la niña pequeña solos, ese si fue un acierto en poner dentro de un contexto amenazador la existencia de Yo.

Es desgraciadamente una película insípida, pero seguiremos al pendiente de lo nuevo que venga por parte del director Meyer, empezando quizás por la película histórica-ficción de Los Últimos Cristeros, y también estaremos esperando algo nuevo e interesante que tenga que ofrecer el cine mexicano.

1.5 / 5

The VVitch

1 Aug

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Una de las peliculas de horror mejor recibidas en los últimos años, La Bruja de Robert Eggers, es un viaje histórico hacia los inicios de la Nueva Inglaterra en el siglo XVII, solo unos años después de la llegada de los primeros pilgrims en el Mayflower, y unos treinta años antes de los juicios en contra de las brujas de Salem. Son los tiempos donde la resistencia de cada familia es puesta a prueba al momento de sembrar sus cosechas y criar su propio ganado, de adorar a Dios con cada poro de sus cuerpos, y de enfrentar las inclemencias de un clima norteamericano inclemente. Eggers, un antiguo director de producción, mantuvo un meticuloso cuidado sobre todos los aspectos estéticos que nos permiten sumergirnos por completo en aquella época, en aquel lugar; siete años de trabajo en preparar el proyecto por parte de un experto de la industria garantizaron que mínimo el filme iba a poder disfrutarse desde un punto de vista de producción…pero como muchos pudimos constatar, el trabajo final cumplió con eso y mucho más.

Quizás promocionada de manera equivocada como una película de terror/horror, los aficionados a los géneros slasher y gore estarán un tanto desilusionados al encontrarse con una película que pretende meterse por debajo de la piel por medio de un delicioso suspenso, labrado a través del suntuoso lente del director de foto Jarin Blaschke y el soundtrack agresivo de Mark Korven. Es el retrato de una familia puritana desmoronándose frente a las inclemencias de la naturaleza y a sus fervientes paranoias religiosas, pero Eggers no deja sobre la mesa un tratado psicológico sobre la disfuncionalidad familiar, le inyecta al ambiente una maldad ominosa que se esconde en el bosque y en el alma de cada miembro de la familia, especialmente (y de manera aún más espeluznante), dentro de los niños. Una fuerza malévola que se siente tanto antigua como sabia, se insinúa al principio y finalmente…pues hay que ver el filme.

La cabra "Black Phillip"

La cabra “Black Phillip”

La Bruja lleva el subtítulo de “Una leyenda de la Nueva Inglaterra”, o “Un cuento de la Nueva Inglaterra”, si usted así lo prefiere; Eggers se ve al mismo tiempo fascinado y atemorizado por la época que decidió reconstruir, basándose en antiguos recuentos de primera persona y documentos históricos. Los encuadres de Korven son clásicos, simétricos y a la luz de la vela en los interiores, cual pintura antigua de Rembrandt (o que también recuerda a Barry Lyndon de Kubrick), la mayoría de la acción requerida fue insertada en edición. El amplio uso del claroscuro le da un aire sombrío a la vida familiar y es claro que Eggers se ha sentido intrigado desde el principio por la solemnidad de la vida colonial. Sin embargo contrapone lo cotidiano de las actividades de una granja con las maquinaciones de fuerzas sobrenaturales, malévolas, que acechan a la familia desde el bosque. Esta es aquella historia, una de tantas, a las cuales se aluden en cuentos, historias, y trabajos cinematográficos, finalmente es aquella historia de “hace muchos, muchos años, donde cuenta la leyenda que ocurrió lo siguiente”, seguido por el recuento de algún terrorífico relato de antaño. Las (pocas) libertades fantasiosas y que incorporan elementos sobrenaturales vienen señaladas de antemano en el subtítulo del filme…por más inverosímil que parezca, Eggers nos advierte que estamos a punto de ver “un cuento”.

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En un decrépito salón de madera, el consejo de un antiguo pueblo americano se encuentra en pleno proceso de juzgar a William (Paul Ineson), quien con una voz que retumba como si fuera la de un enfurecido dios, niega a ceñirse a las tradiciones “liberales” (según él) del resto de estos puritanos. Habrá que ser muy persignado para que finalmente lo expulsaran del pueblo a uno con todo y familia por ser demasiado ortodoxo con su religión. William, su esposa Katherine (Kate Dickie, y por cierto, ambos miembros del mundo de Game Of Thrones), la hija mayor Thomasin (Anya Taylor-Joy), el hijo de en medio Caleb (Harvey Scrimshaw), y los dos gemelos menores Mercy (Ellie Grainger) y Jonas (Lucas Dawson) son obligados a abandonar el pueblo y asentarse en las afueras de un bosque lejano. Las cosas no marchan bien cuando el nuevo integrante de la familia, el bebé Samuel, desaparece literalmente debajo de las narices de Thomasin cuando jugaban a las afueras del bosque. El bebé no había sido bautizado y William, motivado por su extrema devoción, les explica de la mejor manera a los menores que el bebé ahora tendrá que arder en el infierno, como tiene que ser.

Al estilo de Antichrist, un animal metichón, en este caso un conejo, se aparece de vez en cuando para observar a la familia

Al estilo de Antichrist, un animal metichón, en este caso un conejo, se aparece de vez en cuando para observar a la familia

Es recurrente el sentimiento al ver esta película que el fanatismo religioso de esta familia, más que ser un aliciente espiritual, es un tipo de salsa del terror que vuelve cualquier conflicto en una casa del horror. La película de Eggers arremete contra el sentimiento de vulnerabilidad del espectador con criaturas diabólicas que se esconden en los exteriores boscosos, pero que dentro del seno familiar empiezan a carcomer la confianza que existe entre ellos. William, Katherine, y los niños, han sido completamente fieles a Dios, pero ahora él le ha arrebatado a su miembro más indefenso, y sienten que fuerzas malignas los acechan para hacerles cosas horribles. Esto desestabiliza mentalmente a los personajes y empieza la paranoia entre ellos.

La joven adolescente Thomasin, en ciernes de convertirse en mujer, es el blanco de desconfianza por parte de la madre Katherine y de los gemelos más chicos, quienes juran que la cabra Black Phillip, uno de los animales de la granja, les ha contado que Thomasin es una bruja. La hija mayor tampoco ayuda a su causa al jugar con los niños a pretender que en efecto es una bruja. Los deseos sexuales instintivos del niño Caleb recaen sobre la joven también, a quién se le ha empezado a desarrollar su cuerpo de mujer; y la desconfianza, o de plano envidia, de la madre Katherine, quien culpa a Thomasin por prácticamente todas las desgracias de la familia, causan que trate de convencer a William de que la vendan en el pueblo por una lana.

Es incierto si las imágenes del abductor o abductora del pequeño Samuel son parte de la realidad, objeto de la imaginación de los miembros de la familia o de nosotros mismos como público (según Eggers), lo que si vemos es una figura encapuchada corriendo por el bosque con el bebé para después sacrificarlo como parte de un grotesco ritual satánico. De entrada Eggers nos enseña un poquito más la pierna que la tan criticada El Proyecto De La Bruja De Blair, la cual dejó a miles de desesperados esperando a que apareciera la dichosa bruja, se habla de The VVitch como un ejemplo de recato en su dirección e insinuación en su terror, pero créanme que muchas otras películas independientes también han logrado asustar a su audiencia enseñando mucho menos. No impacta visualmente como por ejemplo Antichrist de Lars von Trier, pero si comparte algunos recursos estilísticos con aquella obra donde la interacción entre el hombre y la naturaleza es bella pero siniestra.

Para cuando desaparece el hijo Caleb al tratar de ir a cazar al bosque, debido a la falta de comida que él escucha es un problema constante en su familia, Eggers destapa a la bruja del bosque…o vuelvo a repetir, quizás es una meta-interpretación de lo que pudo haber pasado; Thomasin había acompañado al niño en su aventura, haciéndose presente en una desgracia más. El niño regresa un par de días después, en estado catatónico después de un (posible) encuentro erótico con la presunta bruja del bosque, la familia lo reconforta en su cama donde los monólogos del niño cada vez se vuelven más exóticos y espeluznantes, asemejando lo que le sucede a la víctima de un exorcismo.

El director Robert Eggers, en el set

El director Robert Eggers, en el set

De aquí en adelante la trama de The Witch le mete duro a las emociones, en lo que es una creciente serie de sucesos inexplicables y bizarros. Cabe mencionar que es interesante notar como algo tan risible como la cacería de brujas, o quema de brujas, o los juicios de Salem, eufemismos utilizados hoy en día para situaciones que parecen sacadas de Ripley, son reproducidos por Eggers de una manera real y convincente, nos hace sentir la desesperación y miedo de que un día eras una niña normal y al siguiente te están aventando al lodo al mismo tiempo que te llaman bruja, por más que tratas de explicarles que no es cierto, y así es como empezaban esos martirios.

El final de esta película es uno de los más memorables en últimos años, por lo menos dentro del género del terror, donde sabemos que se esmeran en entregarnos un gigantesco WTF al final de la función, como por ejemplo acá y acá (básicamente cualquier película sudcoreana de horror), pero en La Bruja, estás al mismo tiempo pidiéndole a Eggers que tome ese paso hacia al abismo y al mismo tiempo que no lo haga, no vaya a ser que se desprestigie la obra. Solo diré al respecto que el verdadero significado del título de la película se revela en las últimas escenas, al igual como lo hizo en su momento el clásico del cine italiano Ladrones De Bicicletas.

Veremos que nos depara a los nuevos fans de Robert Eggers en el futuro (y de la actriz Anya Taylor-Joy, o sea Thomasin, también), The VVitch es un trabajo lleno de pasión en su producción, recato y buen gusto en su lente y huevos en su trama, arriesga porque Eggers sabe que los críticos lo considerarían de demasiado buen gusto como para dejar que la trama explotara en el final, así que nos volteó a todos de cabeza. Pero no es nada más el final lo que merece aplauso, es una película diseñada para disfrutarse desde el primer momento, es finalmente una de aquellas historias antiguas que tienen muchos secretos por contar. Odio terminar con el cliché de que no es una película para todos, de que no es horror en el sentido de que hay mucha sangre, mucho gore, de que es aburrida…si le tratan de poner una etiqueta a este filme, en efecto, será difícil y pasarán un mal rato, si solo les gusta disfrutar del buen cine, entonces, provecho.

4 / 5

Children Of Men

15 Jun

children of men 3

Children Of Men (Hijos De Los Hombres) es un claro ejemplo de como Alfonso Cuarón y Emmanuel “El Chivo” Lubezki pueden engendrar un mundo ficticio a partir de un impresionante despliegue visual que fortalece una trama medio endeble. Aunque siempre estará presente ese sentimiento de incredulidad en una historia de ciencia ficción, en este caso basada en la novela homónima de P.D. James, sin embargo para la versión fílmica Cuarón decidió no dar explicaciones de porque en el futuro la raza humana se había quedado sin la capacidad para procrearse. Se aluden a temas ecológicos, así como hasta un castigo divino, no se sabe, y tampoco se clarifica del todo en la novela de James, aunque si se trata de buscar con más ahínco una explicación…lo cierto es que la sociedad ha llegado a un nivel de putrefacción donde alguien, o quizás la naturaleza misma, ha decidido que no merece seguirse procreando.

Inglaterra es la última nación que aún funciona, aunque remotamente, como el último país civilizado del mundo. Al parecer en este futuro, en el 2027, eso no es decir mucho, pues el paisaje urbano que nos pintan Cuarón y Lubezki es desolado, húmedo (bueno, eso no es nada nuevo), repleto de terrorismo y opresión. El país ha logrado mantener su relativa estabilidad al imponer un régimen autoritario que encierra y ejecuta a los inmigrantes ilegales, los cuales han estado entrando a raudales (Cuarón no muestra en qué estado se encuentra el resto del mundo, pero así ha de estar si millones quieren entrar a esta Inglaterra al borde de las ruinas). El panorama es nihilista, pero el lente de Lubezki, simplemente virtuoso filmando lo que sea, le da un extraño aura atractivo a el muladar que es la sociedad moderna; es decir se ve más bien hermosamente desgastada que destruida. children of men 1

El mundo se encuentra particularmente deprimido en el día que nosotros empezamos a ver la historia, el “Bebé Diego” ha sido asesinado en Argentina. La persona más joven del mundo, de 18 años, fue acuchillada cuando se negó a firmar un autógrafo. En medio del caos, un agodinado servidor público, Theo Faron (Clive Owen), vive su condición de perpetuo miedo con resignación, solía ser activista junto a su novia Julian Taylor (Julianne Moore) hasta que se separaron después de la pérdida de un hijo durante una pandemia global de la influenza en el 2008. Tras sobrevivir un atentado terrorista por parte de los Fishes, grupo de activistas/terroristas que demandan la igualdad para los inmigrantes, Theo es secuestrado por ellos mismos, y resulta que Julian ha avanzado bastante dentro de la estructura de los Fishes, pues ahora es su líder…y busca de Theo que él le pueda conseguir unos documentos de tránsito para que se pueda trasladar la joven africana Kee (Claire-Hope Ashitey) hacia la costa a un barco clandestino llamado el “Tomorrow”, el cual la transportará hacia una isla remota, donde se dice ejerce su jurisdicción el The Human Project (un organismo que se entiende lucha por la supervivencia de la raza humana).

Jasper

Jasper

Theo, Julian y Kee hacen equipo con Miriam (Pam Ferris), quien funge como la enfermera/figura materna del grupo, y con Luke (Charlie Hunnam), el segundo al mando de los Fishes; y todos se dirigen en carro a la costa, aunque pronto tienen al gobierno, a otros activistas y a traidores dentro de sus conocidos persiguiéndolos con el fin de que Kee no llegue al barco. Cuarón y Lubezki se aprovechan de la intensidad de la persecución para filmar unas de las secuencias de acción más celebradas en los últimos años, es fascinante observar el gusto de Cuarón por las escenas de una sola toma larga (o varias escenas modificadas en post-edición para que tengan el efecto de ser una misma) conjugado con el género de acción, especialmente aquella escena donde el equipo es interceptado en una emboscada y es necesario que escapen manejando en reversa; las balas vuelan por doquier y la sangre salpica todo, la escena es intensa pero sin ser forzada, de lo característico de Cuarón en esas escenas largas, quizá así lo prefiere para dejar respirar la escena de vez en cuando, con momentos de silencio en medio de toda la acción, lo que tensa más los nervios.

Theo se refugia de vez en cuando con su gran amigo y mentor Jasper, interpretado por un cálido y gracioso Michael Caine de pelo largo, el hogar de Jasper es todo lo que le hace falta al mundo, está en medio de la naturaleza, construido de madera y piedra, y en el interior se escucha buena música de todo tipo y se fuma la mejor mota. La mayoría del soundtrack es incidental, a excepción de las rolas que suenan en la casa de Jasper, desde el agresivo industrial de Aphex Twin, hasta una alucinante interpretación (cover) de “Ruby Tuesday” de los Rolling Stones. En esta distopia británica Cuarón no la deja desprovista de los placeres de las décadas pasadas, no es Metrópolis o Blade Runner; como Back To The Future II nos enseñó, el futuro va a ser mucho, mucho más familiar de lo que pensamos. children of men 2

La humanidad pende de un hilo y depende de Theo y Kee poder llegar a la meta y salvarnos a todos. Para haber sido una propuesta bastante ridícula, el acierto de Cuarón y de Lubezki es introducirnos en un mundo que ya en el 2016 parece muy reconocible, a base de una meticulosa preparación de efectos especiales, de trabajo en edición y simplemente del talento de Lubezki con la cámara (una vez admiré su típica toma de “copas de los árboles meciéndose con el viento: una historia de belleza y ominoso siniestro”). Aparte de Gravity, y de una Great Expectations que vi a medias, y claro de Y Tu Mamá También en su momento, creo que no le he dedicado el tiempo al trabajo del gran director Cuarón, quizás con esto ya pase finalmente a la segunda entrega de Harry Potter.

4 / 5

Te Prometo Anarquía

9 Jun

te prometo anarquia 1

El nuevo largometraje del director “Mesoamericano”, como así se define Julio Hernández Cordón, es un giro de 180˚ de su último largo que fue la comedia Las Marimbas Del Infierno (2010). Ahora nos llega a la pantalla un tipo thriller, tipo historia de desamor, tipo cine indie para la raza festivalera. Se llama Te Prometo Anarquía, nombre que Hernández obtuvo del blog de poesía guatemalteco (este mero), y aunque sigue habiendo esas constantes que ha definido al cine independiente mexicano por casi 20 años (desde la aparición de Reygadas con Japón); hablamos de la utilización de actores no profesionales, la cruda representación de la violencia (en años recientes encarnada por el coco mexicano por excelencia: el narco), los planos secuencias contemplativos, así como un estilo visual tan apegado a la realidad, que normalmente no permite que quepa un soundtrack (o si acaso, las notas anémicas de alguna guitarra acústica). Como que ya, no?. Por eso Desierto de Jonás Cuarón se me hizo relativamente refrescante.

Claro que un Julio Hernández Cordón no cuenta con el mismo presupuesto para su largometraje como si lo tiene el hijo de Alfonso Cuarón. Entonces, el presupuesto limitado, entiéndase la falta de dinero en latinoamérica, ha condicionado el cine de la zona a diferencia de supuestas “visiones artísticas”? Puede que sí, lo que si inspira es que el reconocimiento que ha recibido el cine de la zona no vaya directamente correlacionado con los fondos para su producción, ya que sería ingenuo alegar que le ha ido mal al cine mexicano en años recientes, a nivel local e internacional. Son algunas de las cosas que me hacen pensar.

Miguel y Johnny

Miguel y Johnny

Pero a lo que nos truje. Te Prometo Anarquía es la historia de Miguel (Diego Calva) y el Johnny (Eduardo Martínez), dos morros skate de la Ciudad de México que venden sangre en el mercado negro (por supuesto que hay un mercado ilegal para la sangre) y viven un tórrido romance entre ellos dos, se ven en aprietos mayores cuando le entran a lo que ellos pensaban era un “lucrativo” bizness vendiéndole sangre a los narcos (y el proceso era simple, juntar conocidos entre sus amigos y amigos de los amigos, quiénes recibían $1000 por donar). Los chavos juntan a 50 conocidos para donar, pero los narcos no juegan limpio y pronto las vidas de todas esas personas se ven comprometidas…al igual que las de Miguel y Johnny, a cargo de esos inocentes, quiénes tienen que pensar rápido para resolver o distanciarse de la situación.

Los chavos en el festival de Morelia

Los chavos en el festival de Morelia

El resultado final es una cruda representación de la volátil situación capitalina, donde la violencia cuelga en el aire siempre al acecho, con una mezcla de carta de amor a una relación envenenada entre los dos chavos, quienes a pesar de sufrir el maltrato del otro, parece que son los únicos que pueden rescatarse entre ellos mismos, emocional y espiritualmente. Las tomas son bellas, a cargo de la DP María Secco, y también se encuentra entremezclado un interesante soundtrack de música relativamente comercial que logrará conectar con el público más casual. Te Prometo Anarquía es una experiencia cinematográfica memorable, aunque sufre de una trama un tanto inconsistente y forzada en su eclecticismo (para los que la vean, faldas hawaianas en los Estudios Churubusco, como que salía sobrando, no?).

2.5 / 5

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