Children Of Men

15 Jun

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Children Of Men (Hijos De Los Hombres) es un claro ejemplo de como Alfonso Cuarón y Emmanuel “El Chivo” Lubezki pueden engendrar un mundo ficticio a partir de un impresionante despliegue visual que fortalece una trama medio endeble. Aunque siempre estará presente ese sentimiento de incredulidad en una historia de ciencia ficción, en este caso basada en la novela homónima de P.D. James, sin embargo para la versión fílmica Cuarón decidió no dar explicaciones de porque en el futuro la raza humana se había quedado sin la capacidad para procrearse. Se aluden a temas ecológicos, así como hasta un castigo divino, no se sabe, y tampoco se clarifica del todo en la novela de James, aunque si se trata de buscar con más ahínco una explicación…lo cierto es que la sociedad ha llegado a un nivel de putrefacción donde alguien, o quizás la naturaleza misma, ha decidido que no merece seguirse procreando.

Inglaterra es la última nación que aún funciona, aunque remotamente, como el último país civilizado del mundo. Al parecer en este futuro, en el 2027, eso no es decir mucho, pues el paisaje urbano que nos pintan Cuarón y Lubezki es desolado, húmedo (bueno, eso no es nada nuevo), repleto de terrorismo y opresión. El país ha logrado mantener su relativa estabilidad al imponer un régimen autoritario que encierra y ejecuta a los inmigrantes ilegales, los cuales han estado entrando a raudales (Cuarón no muestra en qué estado se encuentra el resto del mundo, pero así ha de estar si millones quieren entrar a esta Inglaterra al borde de las ruinas). El panorama es nihilista, pero el lente de Lubezki, simplemente virtuoso filmando lo que sea, le da un extraño aura atractivo a el muladar que es la sociedad moderna; es decir se ve más bien hermosamente desgastada que destruida. children of men 1

El mundo se encuentra particularmente deprimido en el día que nosotros empezamos a ver la historia, el “Bebé Diego” ha sido asesinado en Argentina. La persona más joven del mundo, de 18 años, fue acuchillada cuando se negó a firmar un autógrafo. En medio del caos, un agodinado servidor público, Theo Faron (Clive Owen), vive su condición de perpetuo miedo con resignación, solía ser activista junto a su novia Julian Taylor (Julianne Moore) hasta que se separaron después de la pérdida de un hijo durante una pandemia global de la influenza en el 2008. Tras sobrevivir un atentado terrorista por parte de los Fishes, grupo de activistas/terroristas que demandan la igualdad para los inmigrantes, Theo es secuestrado por ellos mismos, y resulta que Julian ha avanzado bastante dentro de la estructura de los Fishes, pues ahora es su líder…y busca de Theo que él le pueda conseguir unos documentos de tránsito para que se pueda trasladar la joven africana Kee (Claire-Hope Ashitey) hacia la costa a un barco clandestino llamado el “Tomorrow”, el cual la transportará hacia una isla remota, donde se dice ejerce su jurisdicción el The Human Project (un organismo que se entiende lucha por la supervivencia de la raza humana).

Jasper

Jasper

Theo, Julian y Kee hacen equipo con Miriam (Pam Ferris), quien funge como la enfermera/figura materna del grupo, y con Luke (Charlie Hunnam), el segundo al mando de los Fishes; y todos se dirigen en carro a la costa, aunque pronto tienen al gobierno, a otros activistas y a traidores dentro de sus conocidos persiguiéndolos con el fin de que Kee no llegue al barco. Cuarón y Lubezki se aprovechan de la intensidad de la persecución para filmar unas de las secuencias de acción más celebradas en los últimos años, es fascinante observar el gusto de Cuarón por las escenas de una sola toma larga (o varias escenas modificadas en post-edición para que tengan el efecto de ser una misma) conjugado con el género de acción, especialmente aquella escena donde el equipo es interceptado en una emboscada y es necesario que escapen manejando en reversa; las balas vuelan por doquier y la sangre salpica todo, la escena es intensa pero sin ser forzada, de lo característico de Cuarón en esas escenas largas, quizá así lo prefiere para dejar respirar la escena de vez en cuando, con momentos de silencio en medio de toda la acción, lo que tensa más los nervios.

Theo se refugia de vez en cuando con su gran amigo y mentor Jasper, interpretado por un cálido y gracioso Michael Caine de pelo largo, el hogar de Jasper es todo lo que le hace falta al mundo, está en medio de la naturaleza, construido de madera y piedra, y en el interior se escucha buena música de todo tipo y se fuma la mejor mota. La mayoría del soundtrack es incidental, a excepción de las rolas que suenan en la casa de Jasper, desde el agresivo industrial de Aphex Twin, hasta una alucinante interpretación (cover) de “Ruby Tuesday” de los Rolling Stones. En esta distopia británica Cuarón no la deja desprovista de los placeres de las décadas pasadas, no es Metrópolis o Blade Runner; como Back To The Future II nos enseñó, el futuro va a ser mucho, mucho más familiar de lo que pensamos. children of men 2

La humanidad pende de un hilo y depende de Theo y Kee poder llegar a la meta y salvarnos a todos. Para haber sido una propuesta bastante ridícula, el acierto de Cuarón y de Lubezki es introducirnos en un mundo que ya en el 2016 parece muy reconocible, a base de una meticulosa preparación de efectos especiales, de trabajo en edición y simplemente del talento de Lubezki con la cámara (una vez admiré su típica toma de “copas de los árboles meciéndose con el viento: una historia de belleza y ominoso siniestro”). Aparte de Gravity, y de una Great Expectations que vi a medias, y claro de Y Tu Mamá También en su momento, creo que no le he dedicado el tiempo al trabajo del gran director Cuarón, quizás con esto ya pase finalmente a la segunda entrega de Harry Potter.

4 / 5

Te Prometo Anarquía

9 Jun

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El nuevo largometraje del director “Mesoamericano”, como así se define Julio Hernández Cordón, es un giro de 180˚ de su último largo que fue la comedia Las Marimbas Del Infierno (2010). Ahora nos llega a la pantalla un tipo thriller, tipo historia de desamor, tipo cine indie para la raza festivalera. Se llama Te Prometo Anarquía, nombre que Hernández obtuvo del blog de poesía guatemalteco (este mero), y aunque sigue habiendo esas constantes que ha definido al cine independiente mexicano por casi 20 años (desde la aparición de Reygadas con Japón); hablamos de la utilización de actores no profesionales, la cruda representación de la violencia (en años recientes encarnada por el coco mexicano por excelencia: el narco), los planos secuencias contemplativos, así como un estilo visual tan apegado a la realidad, que normalmente no permite que quepa un soundtrack (o si acaso, las notas anémicas de alguna guitarra acústica). Como que ya, no?. Por eso Desierto de Jonás Cuarón se me hizo relativamente refrescante.

Claro que un Julio Hernández Cordón no cuenta con el mismo presupuesto para su largometraje como si lo tiene el hijo de Alfonso Cuarón. Entonces, el presupuesto limitado, entiéndase la falta de dinero en latinoamérica, ha condicionado el cine de la zona a diferencia de supuestas “visiones artísticas”? Puede que sí, lo que si inspira es que el reconocimiento que ha recibido el cine de la zona no vaya directamente correlacionado con los fondos para su producción, ya que sería ingenuo alegar que le ha ido mal al cine mexicano en años recientes, a nivel local e internacional. Son algunas de las cosas que me hacen pensar.

Miguel y Johnny

Miguel y Johnny

Pero a lo que nos truje. Te Prometo Anarquía es la historia de Miguel (Diego Calva) y el Johnny (Eduardo Martínez), dos morros skate de la Ciudad de México que venden sangre en el mercado negro (por supuesto que hay un mercado ilegal para la sangre) y viven un tórrido romance entre ellos dos, se ven en aprietos mayores cuando le entran a lo que ellos pensaban era un “lucrativo” bizness vendiéndole sangre a los narcos (y el proceso era simple, juntar conocidos entre sus amigos y amigos de los amigos, quiénes recibían $1000 por donar). Los chavos juntan a 50 conocidos para donar, pero los narcos no juegan limpio y pronto las vidas de todas esas personas se ven comprometidas…al igual que las de Miguel y Johnny, a cargo de esos inocentes, quiénes tienen que pensar rápido para resolver o distanciarse de la situación.

Los chavos en el festival de Morelia

Los chavos en el festival de Morelia

El resultado final es una cruda representación de la volátil situación capitalina, donde la violencia cuelga en el aire siempre al acecho, con una mezcla de carta de amor a una relación envenenada entre los dos chavos, quienes a pesar de sufrir el maltrato del otro, parece que son los únicos que pueden rescatarse entre ellos mismos, emocional y espiritualmente. Las tomas son bellas, a cargo de la DP María Secco, y también se encuentra entremezclado un interesante soundtrack de música relativamente comercial que logrará conectar con el público más casual. Te Prometo Anarquía es una experiencia cinematográfica memorable, aunque sufre de una trama un tanto inconsistente y forzada en su eclecticismo (para los que la vean, faldas hawaianas en los Estudios Churubusco, como que salía sobrando, no?).

2.5 / 5

Martyrs

2 Jun

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Tratando de sobrellevar la desgracia en estos días de que no he podido ir a ver La Bruja, decidí saciar mi antojo por una buena película de terror con un ejemplar del llamado Nuevo Extremismo Francés, un movimiento cinematográfico de aquel país reconocido por su extrema violencia y el sadismo rampante dentro de sus tramas, en este caso la película del 2008, Mártires (Martyrs), del director Pascal Laguier. Se ha comparado a este filme con otros trabajos del género extremista como Haute Tension (2003) o Inside (2007), pero Martyrs me estuvo sorprendiendo sucesivamente conforme avanzaba cada minuto de la trama y pasa de ser un seudo-slasher film a (y después de que la trama se ha desdoblado varias veces) un esotérico filme que se pregunta, que hay después de la vida?; una premisa final que ha asqueado a varios críticos, quienes se han decantado por puntualizar lo pretencioso que llegó a ser esta película de terror.

Manteniendo todo desde su correcta perspectiva, Martyrs es un viaje hacia lo más recóndito del cuerpo humano, en completa inversión opuesta, de lo que 2001: A Space Odyssey fue un viaje hacia lo asequiblemente alcanzable del cosmos…ni por asomo pretendo comparar la calidad de ambas películas, siendo que 2001 es, a mi consideración, el punto más alto que ha alcanzado el séptimo arte; pero me refiero a las intenciones de ambos trabajos solamente. Más allá de la supuesta pretenciosidad de Laguier, lo que si me cautivó fue como Martyrs encontraba una portezuela por donde seguir su recorrido en momentos que parecía que su trama había llegado a su fin, y no a manera de giros dramáticos, o twists, al estilo del horror asiático. En algunas escenas, literalmente había una puerta secreta de salida hacia niveles más bajos donde se escondían secretos más oscuros.

"Come again?"

“Come again?”

Las mártires son las dos muchachas que podemos ver en el material promocional, son las actrices Mylène Jampanoï y Morjana Alaoui. Al principio vemos a Jampanoï interpretando a Lucie Jurin, una niña que estuvo encerrada y encadenada por años o meses (no sabemos) en un viejo edificio industrial por algunos misteriosos individuos y que logró escapar de sus captores para acabar en un orfanato, ya desde entonces la acecha la imagen de una mujer desahuciada que no solo la asusta como cualquier espectro común, sino la acuchilla y le golpea la cabeza contra la pared. 15 años después Lucie ubica la casa de la pareja que la mantuvo cautiva y torturada, una familia normal francesa (chéquense la aparición actoral del prodigio de la dirección, Xavier Dolan, como el hijo de la familia), y Lucie no pierde el tiempo en despacharse a toda la familia con una escopeta de doble barril, para la consternación de su amiga Anna (Alaoui), quien la espera a poca distancia de la casa, y ha permanecido como su única amiga desde aquellos tiempos infantiles en el orfanato.

Es desde a partir de los 10 minutos de que empezó la película que comentar sobre lo que sigue podría ser considerado como spoiler. No exagero en decir que a los 10 o 15 minutos parece que la película está lista para concluir, pero gracias a los aspectos más exóticos de la trama, como sus roces con lo paranormal y con lo existencial, sigue descendiendo por agujeros siniestros hasta concluir en algo que, me da pena de admitir, se me hizo grotescamente bello. Laguier deja hasta cerca del final de la película que se deje entender el verdadero significado del título, Mártires en plural, similar a como te cae el veinte sobre el título Ladrones de Bicicletas, cerca del final de aquel clásico italiano. El soundtrack le queda un poco a deber a la película, especialmente el final, una aguada balada acústica llamada “Your Witness” por parte de Seppuku Paradigm, que no encaja con las ambiciones existenciales del desenlace. Y hablando del final, a ver quien se acuerda del video para “Just (You Do It To Yourself)” de Radiohead.

Fresca en su concepto, Mártires no deja de ser un ejercicio en nihilismo que definitivamente no es apto para el público general. Pero si es interesante para los adeptos al género del terror, en el sentido de encontrar temas frescos sobre la mesa, simplemente algo nuevo que no había sido intentado antes.

3.5 / 5

Hail, Caesar!

20 May

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Al mundo siempre le hace bien una comedia negra de los hermanos Coen. Me gustaría saber qué artista cinematográfico ha hecho más por ese género, como este prolífico par lo ha hecho por 30 años. Prolíficos porque al parecer les pica el trasero estar más de un año sin filmar uno de sus idiosincráticos filmes, combinación entre lo chusco y la desgracia; en nuestros tiempos, ya se puede empezar a clasificar las comedias negras de los Coen en sub-géneros: dramáticas como en Fargo, contemplativas como en A Serious Man, de suspenso como en No Country For Old Men (si levantó suficientes carcajadas como para considerarla una comedia, que no?) y de western como en True Grit.

Hail, Cesar! es como una carta de amor al Hollywood de le época de oro del cine norteamericano, pero escrito por alguien con un sentido del humor muy sarcástico. Los personajes en esta trama de los Coen deambulan por los campus de los grandes estudios de Los Ángeles, paseándose por producciones épicas al estilo Ben-Hur, entre elaborados números bailables como Singin’ In The Rain, westerns al estilo Roy Rogers y escenas de baile acuático sincronizado; si esa no es una carta de amor al Hollywood con el que los Coen crecieron en los 50’s, entonces no se qué filme de ellos podría calificar como tal cosa…lo que pasa es que algunos críticos confunden el humor negro y el sarcasmo de los Coen, con genuino desprecio (como si hubieran empezado a filmar películas el año pasado).

Clooney como el protagonista

Clooney como el protagonista

Como es costumbre en una película de los hermanos, el guion está bien trabajado, y es por demás chistoso. Es rápido y los chistes te pasan por encima de la cabeza si pestañeas. El elenco coral, es decir, de varios actores y actrices bien reconocidos por su capacidad histriónica, se siente completamente en sincronía y cómodo al momento de interactuar entre ellos. En el centro está Josh Brolin como Eddie Mannix, un ejecutivo de producción de los Capitol Studios, quien se la vive arreglando los problemas de su “talento”; principalmente tratando de encontrar al secuestrado Baird Whitlock (George Clooney), una de las máximas estrellas del estudio, quien se encuentra filmando la épica, y homónima, “Hail, Caesar!”, el cual es un inflado proyecto que pretende contar la historia de Jesucristo. Es parte de la comedia que el superastro ha sido capturado por el peor enemigo de la sociedad norteamericana de aquel entonces, un clandestino grupo de comunistas, conformado por resentidos escritores de cine, que piensan obtener una jugosa recompensa del secuestro…y dirigirla hacia sus jefes soviéticos. La suspicacia y el presunto peligro que representaban un montón de intelectuales anti-capitalistas en plena era del Senador McCarthy eran válidas y estos disidentes eran considerados como los peores terroristas extremistas de la época…pero visto en retrospectiva, no queda de otra más que pensar que todo el asunto anti-comunista fue un ejercicio bastante bobo.

La trama se envuelve en los problemas de otras estrellas del estudio, incluyendo a una Scarlett Johansson que entre tomas de su producción acuática bailable, y mientras le quitan con gran esfuerzo su cola de sirena, trata de esconder con Mannix un posible embarazo por parte de un padre desconocido (escándalo que seguramente hubiera sido terrible para su carrera de diva). Con una idea que parece ridícula al principio, pero más sensata conforme avanzan los minutos, deciden que la actriz dé a adoptar el hijo clandestinamente, para después adoptarlo ella misma. Para ello emplean los servicios de un padre sustituto, pero en verdad otro “fixer” de Hollywood a sueldo, Joseph Silverman (Jonah Hill).

Mannix trata de traspasar una de sus estrellas del western, el trovador-jinete, Hobie Doyle (Alden Ehrenreich) de las películas de caballos a los dramas románticos del afeminado director europeo Laurence Laurentz (el camaleónico Ralph Fiennes) para gran disgusto del director; al mismo tiempo que el ejecutivo le trata de acomodar a su estrella vaquera un romance con la actriz Carmen Valdez (Verónica Osorio), en un rol que recuerda a Carmen Miranda. Mientras que en otro foro del campus, el bailarín Burt Gurney (Channing Tatum) ejecuta coreografías de baile al estilo Gene Kelly…escondiendo su verdadera identidad como espía para los soviéticos. Las producciones del cine de antaño vuelven a la vida gracias al lente del cinematógrafo Roger Deakins, regresando del formato digital al filme para darle esa calidez a las escenas. El resto del diseño de la producción de esta película, desde el vestuario hasta las locaciones, es igualmente impecable.

Joel y Ethan Coen con Brolin y Clooney

Joel y Ethan Coen con Brolin y Clooney

Mannix tiene su plato rebozando de problemas, mientras que las columnistas de chismes del espectáculo, las gemelas Thora y Thessely Thacker (ambas Tilda Swinton), merodean los estudios con el deseo de que algún pedazo de chisme caiga al piso para publicarlo al siguiente día. Y al final del día Mannix padece de algún cabo suelto que resolver….ah si, encontrar a Clooney!

Al contrario de su otra sátira que le hacen a Hollywood, la aclamada Barton Fink (1991), en Hail, Caesar!, se encuentran unos hermanos Coen divirtiéndose en la realización, y compartiendo ese júbilo con el público. Parece que con el paso de los años, y el advenimiento del éxito, la postura de los Coen sobre Hollywood se ha suavizado bastante. La diversión se encuentra también dentro de los malabares que hacen con los diferentes géneros del cine; en este caso el secuestro de Clooney es casi solo un macguffin, y nadie debe considerar a la trama que le sigue como una de suspenso; es solo un detonante, y un pretexto, para empezar a girar los engranes de un mundo cinematográfico más de los Coen. Suspenso es aquel que nos aqueja al tratar de adivinar si la próxima película de los hermanos será un éxito o un trozo de estiércol (The Ladykillers, alguien?), pero mientras tanto nos han servido este suculento pedazo de cine.

4 / 5

Desierto

9 May

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En concordancia con el guion que ayudó a escribir para Gravity con su papá Alfonso, el segundo largometraje por parte de Jonás Cuarón es un recuento de sobrevivencia primal frente circunstancias duras y adversas, aunque esta vez en un plano más terrenal. Sin indagar demasiado en las motivaciones de los personajes, Cuarón y Mateo García (los escritores), dependen completamente de las acciones que se desenvuelven en el desierto compartido por México y Estados Unidos, para avanzar una trama simple, donde un desquiciado gringo con su rifle de largo alcance hace de la caza de indocumentados su pasatiempo favorito, y los perseguidos, mexicanos humildes en pos del sueño americano, reaccionan ante las agresiones con el único propósito de poder sobrevivir.

Es cierto que los personajes no están desarrollados completamente como en otros grandes filmes del género dramático (aunque hay que aclarar que Desierto es más bien una película de suspenso), pero los personajes que aparecen sin tanta información previa que contarnos va en acorde a la trama sencilla de la película. Jeffrey Dean Morgan (Watchmen) hace entrega del personaje Sam, un gringo ranchero con obvios problemas psicológicos que se dedica a matar indocumentados, y el actor proyecta una rabia que hierve a fuego lento y que apenas logra mantener bajo (relativo) control; no llegamos a conocer el trasfondo de Sam, no sabemos si (como bien lo hubiera predicho Donald Trump) algún indocumentado mató y violó a su esposa, o fue abusado de niño, o es simplemente un empedernido racista enamorado de las armas de fuego…y está bien, no lo necesitamos saber todo para entender que la cabeza le funciona terriblemente mal, y que en el transcurso de este par de días que dura la historia, ha llegado hasta aquí…a ser una despreciable persona que se pasea en su pickup (el cual cuelga una banderita de la Confederación en la parte trasera) con la botella de Jack Daniels en su mano, en medio de un sofocante calor, solo para matar gente inocente…y para esta breve historia de persecución no necesitamos saber nada más.

Jeffrey Dean Stanton como Sam

Jeffrey Dean Stanton como Sam

Lo mismo para el contingente de inmigrantes, de quienes tampoco conocemos nada mientras van empacados como sardinas en la caja de un pickup viajando por el desierto…antes de que el vehículo se descomponga y el coyote los cruce de mala gana por uno de los trechos más peligrosos de la frontera, contrario a lo que se les había prometido antes de pagar miles de dólares. Desde el inicio empiezan a destacar las habilidades de líder de Moisés, interpretado por el eternamente jovial Gael García Bernal, quién ayuda a los mexicanos más rezagados y cansados, y es sobre el personaje de Gael del que sabemos un poco más sobre su pasado, aunque es poca la información: ha vivido en Estados Unidos, tiene a un hijo que los espera en Oakland, y ya ha cruzado por este pedazo del desierto. Moisés empatiza con una mujer joven que cruza sola, Adela (Alondra Hidalgo) y trata de protegerla durante el trayecto. Pronto el grupo se ve en la mira del rifle del gringo Sam y van cayendo uno a uno, los abatidos por el rifle se puede decir que disfrutan de un final relativamente agradable…comparado a aquellos que caen en las fauces del perro de Sam, un sádico doberman llamado Tracker, quien salta de piedra en piedra y corre por los cauces de arroyos secos para poder deleitarse con su pasatiempo favorito…mordisquear yugulares.

García Bernal con Cuarón

García Bernal con Cuarón

Para sorpresa de nadie, al final son Adela y Moisés los únicos corriendo por horas del desquiciado Sam. Pero la pelea será más pareja de lo que el ranchero puede anticipar, y a la manera de un buen thriller, la persecución se convierte en un juego de ajedrez y una competencia de astucia. A Tracker también le esperan sorpresas. La desolación del desierto los acompaña a todos de día y de noche, como un mudo testigo que lo ha visto todo y nada le sorprende.

Cuarón y su co-escritor, Mateo García, utilizan los nombres alegóricos de sus personajes como Moisés (llevando a su gente por el desierto) y Sam (de Tío Sam), para demarcar de manera clara los buenos y los malos en esta historia, Desierto es un preciso ejercicio en el manejo del suspenso y nada más, no es el documento que desmenuza el relevante tema de la inmigración ilegal que muchos críticos se quedaron esperando, al César lo del César y Jonás Cuarón enseña en Desierto que sabe dirigir un largometraje, de principio a fin, hacia su muy específico destino.

3.5 / 5

Tangerine

4 May

Kiki and Maya

Una de las nuevas joyas del cine independiente que francamente no fue de mi agrado. Con actuaciones desbordadas por parte de personas que claramente no son actrices profesionales, un guion acartonado y un soundtrack esquizofrénico aunque genérico, Tangerine no fue ese “respiro de aire fresco” que estaba anticipando. Se ha hablado de la “hermosa” cinematografía de la película (la cual fue captada totalmente en unos cuantos iPhones, debido al bajo presupuesto del director), y aunque le infunde un toque de cinéma-vérité al filme, estéticamente no es algo para deleitarse las pupilas.

El cineasta Sean Baker, quien produjo, escribió, dirigió y editó la cinta, es conocido por darle vida a segmentos del underground de la sociedad como en Take Out (2004) y Prince Of Broadway (2008), ambos filmes sobre inmigrantes en la ciudad de Nueva York, el primero sobre un repartidor chino y el segundo sobre un vendedor de ropa africano, y en Tangerine se sumerge en el mundo de los transexuales de Los Ángeles para darles una representación exagerada a lo que realmente ocurre en esa ciudad. Los personajes principales de Sin-Dee (Kitana Kiki Rodriguez) y Alexandra (Mya Taylor), ambos transexuales, caminan las calles de Los Ángeles encontrando cada diez pasos a otros transexuales con los que conviven dentro de lo que puede sentirse una escena transexual nutrida y vibrante. La verdad es que casi nadie se topa a nadie caminando las calles de L.A., y menos están repletas de transexuales…pero quizás este detalle solo fue parte de la comedia que el director le quiso dar a esta historia.

La filmación con el iphone

La filmación con el iphone

Sin-Dee ha estado encerrada en la cárcel por unos meses, y una vez que la liberan, pretende compartir una dona con su mejor amiga Alexandra en un pequeño negocio de Santa Monica Boulevard. El encuentro amigable dura poco, pues a Alexandra se le sale el comentario de que el pimp, y novio, de su amiga Sin-Dee, el mentado Chester, ha estado con una nueva chica, que es blanca, y para el colmo, es una mujer de verdad. Esto es demasiado para la volátil Sin-Dee, quien toma del brazo a su amiga para recorrer las calles en busca la chica y de Chester. Alexandra sigue pasivamente a su amiga, tratando de promocionar su pequeño recital que tendrá en un bar esa misma noche, que es Nochebuena; pronto se despega de la bomba a punto de explotar que es su amiga y se encuentra con el conductor de taxi Razmik (Karren Karagulian), un inmigrante de origen armenio que tiene una cómoda vida familiar, pero que sacia sus gustos muy particulares en un lavado de autos con Alexandra. Es lo más cercano que Alexandra tiene a un novio, y dentro de lo triste y patético de la relación, podemos ver que ambos disfrutan genuinamente los pocos momentos que viven juntos.

Como realmente se apreciaba la cinematografía en la pantalla...cálida

Como realmente se apreciaba la cinematografía en la pantalla…cálida

Claro que eventualmente Sin-Dee encuentra a la chica y a Chester (James Ransone, Ziggy de The Wire), pero no es spoiler, se veía inevitable desde el principio, el trayecto es más esencial que el destino en este caso. Las desgracias de Sin-Dee y Alexandra se desenvuelven dentro del supuesto mundo perfecto de la capital del entretenimiento, son el tipo de personas que le dan su carácter verdadero a esa ciudad, y las calles anchas y desoladas, bajo el cielo percudido por el smog, retrata fielmente lo que es andar a patín por L.A. cuando hace calor. Baker, junto con su co-escritor Chris Bergoch, si trata de desarrollar los personajes de una manera que podamos simpatizar con ellos, pero su ímpetu por darle un pathos a la historia de un par de transexuales, nada más por ser transexuales, se siente forzado y entregado a un dogma políticamente correcto que está listo para recibir con brazos abiertos cualquier historia protagonizada por las minorías, principalmente por eso mismo, por ser minorías. En uno de los puntos más dramáticos de la película, Alexandra finalmente presenta su recital ante un bar casi vacío, en presencia de Sin-Dee y de la nueva chica de Chester, a quien trae como rehén desde que la encuentra. Alexandra interpreta solo una canción, la navideña “Toyland” de Doris Day, cuya letra infantil pensamos hace añorar a Alexandra por una infancia idílica que nunca tuvo. Baker trata de presionar esos botones sentimentalistas más con fuerza que con sentimiento.

Finalmente, con bajo presupuesto, Tangerine es sobresaliente por lo mucho que se ha logrado con tan poco, pero de ahí a considerarla un nuevo referente del cine independiente….eh, hay muchas cosas allá afuera, de bajo presupuesto, que si son realmente excepcionales.

2 / 5

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